Das in Belfast geborene und in London ansässige Duo Bicep (Matt McBriar und Andy Ferguson) veröffentlichte am 22. Januar 2021 sein zweites Album „Isles“ bei Ninja Tune. „Isles“ ist ein prägnantes Album: frei, rau und dynamisch genug für den Dancefloor, gleichwohl raffiniert, kunstvoll komponiert und besinnlich genug, um es auch Zuhause zu hören. Das Album erreichte Platz 2 der Offiziellen UK Album Charts und das Duo wurde für zwei BRIT Awards nominiert.

Nach zwei Jahren Arbeit baut „Isles“ auf der kunstvollen Energie ihres Debüts „Bicep" von 2017 auf, eine einmalige elektronische Platte, die einerseits auf klassischem House, Techno, Elektro und Italo-Disco fußt, andererseits aber den typischen Bicep-Sound in sich trägt. Auf „Bicep" folgte eine äußerst erfolgreiche Tournee, bei der sie auf dem Primavera, Coachella und Glastonbury Festival für Furore sorgten. Auch in Berlin spielte das Duo bisher zwei restlos ausverkaufte Shows, gefolgt von einem grandiosen Auftritt auf dem Melt Festival.

Electronic

BICEP

Die 21-jährige neuseeländische Künstlerin hat mit ihrem Song „Supalonely“, der vier Milliarden Mal gestreamt wurde, den Durchbruch geschafft.

BENEEs verträumter Alt-Pop mischt ihre tief empfundenen Reflexionen über das Leben in der neuseeländischen Vorstadt Auckland mit schrägen und oft skurrilen lyrischen Begegnungen mit Zombies und Schnecken, alles produziert mit einem technischen Gespür für unvorhersehbare Hooks.

Pop/ Indie

BENEE

Sie spielte ausverkaufte Shows in Nordamerika, Lateinamerika und Europa und tourte mit Popstars wie Dua Lipa, Charli XCX und MARINA durch die Welt. Allie X ist bekannt für ihren kühnen visuellen Stil und ihren knalligen Goth-Pop-Sound.

Mit mehr als einer Viertelmilliarde Streams weltweit hat sich Allie X mit ihrem gläsernen Goth-Pop-Stil eine kultige Anhängerschaft erspielt. Ihr aktuelles Album "Cape God" setzt seinen Höhenflug mit Hits wie "Love Me Wrong (feat. Troye Sivan)" und "Susie Save Your Love (feat. Mitski)" fort. Die neueste Veröffentlichung, das von der Kritik gefeierte "Cape God", erhielt positive Kritiken von NME, Vice, The Guardian und Pitchfork. "Cape God" wurde außerdem in ihrem Heimatland Kanada für den Polaris Music Award nominiert.

Sie ist eine Meisterin des Kuratierens, die jeden Aspekt ihres Projekts kreativ steuert - von der Auswahl ihrer Fotografen, Regisseure, Mode- und Glam-Teams bis hin zum Schnitt ihrer eigenen Videos. Diese Einzigartigkeit hat die Aufmerksamkeit der Modewelt auf sich gezogen: Sie hat an der Pariser Modewoche teilgenommen, wurde von der Vogue porträtiert und hat Beziehungen zu einigen der bekanntesten Designern der Welt aufgebaut (Iris Van Herpen, Margiela, Olivier Theyskens, Lanvin).

Allie setzt sich weiterhin für die LGBTQ+-Gemeinschaft ein, indem sie Wohltätigkeitsveranstaltungen sponsert und anführt, auf Pride-Festivals auf der ganzen Welt auftritt und ihre Plattform nutzt, um Ungerechtigkeiten zu bekämpfen und die LGBT-Jugend zu stärken.

Allie X

Anaïs Mitchell ist eine in Vermont lebende Singer-Songwriterin und die mit einem Grammy Award ausgezeichnete Schöpferin des Broadway-Musicals Hadestown, für das sie das Buch, die Musik und die Texte schrieb. Sie wurde 2020 in die prestigeträchtige TIME 100-Liste der TIME aufgenommen, und ihr erstes Buch „Working on a Song - The Lyrics of Hadestown“ wurde im selben Jahr von Penguin/ Plume veröffentlicht.

Mitchell, die von NPR als "eine der größten Songwriterinnen ihrer Generation" bezeichnet wird, veröffentlicht ihr neues, selbstbetiteltes Album am 28. Januar 2022. Produziert von Josh Kaufman, entstand es in enger Zusammenarbeit mit BonIver, The National und ihrer eigenen Band Bonny Light Horseman und ist Mitchells erste Sammlung komplett neuen Materials unter ihrem eigenen Namen seit „Young Man in America“ von 2012.

Anaïs Mitchell

2012 erschien Ásgeirs gefeiertes Debüt „Dýrð í dauðaþögn“ und machte ihn zunächst in seinem Heimatland Island zur Legende. Es wurde zum am schnellsten verkauften einheimischen Debütalbum Islands, sprengte sämtliche Rekorde und stellte sogar die Verkaufszahlen von Björk und Sigur Ros in den Schatten - statistisch gesehen gibt es eine Kopie in jedem zehnten
isländischen Haushalt. 

In der Vergangenheit wurde Ásgeir, der für seinen seidig-geschmeidigen Falsettgesang bekannt ist, mit Künstlern wie Bon Iver, James Blake und Kings of Convenience verglichen. Auf seinem 2017 erschienenem Album „Afterglow“ perfektioniert er jedoch seinen ganz eigenen, unverkennbaren Stil. Nun kündigte der isländische Singer-Songwriter sein neues Album “Bury The Moon“ an, welches am 7. Februar 2020 erscheint. Die Geschichte, die Ásgeir mit „Bury The Moon“ (im isländischen Original Sátt) erzählt, beginnt mit einem gebrochenen Herzen und einem Rückzug. Nach dem Auseinanderbrechen einer langen Beziehung wollte der Musiker allem entfliehen und sich in den Weiten der isländischen Landschaft verlieren. Er zog sich in eines der typischen, bei den Isländern beliebten Sommerhäuschen zurück und verbrachte dort den Winter damit, Lieder zu schreiben – allein mit seiner Gitarre und Gedanken, die um Liebe und Verlust kreisten. 

Ásgeir

Katie Austra Stelmanis ist seit drei Alben, zehn Jahren und unzähligen Tourneen vor allem unter ihrem zweiten Vornamen bekannt. Sie schrieb, produzierte und spielte alle ihre Platten selbst und stand gelegentlich mit einer Band im Rampenlicht, um live zu touren. Von außen betrachtet lief es eine Zeit lang richtig gut: Sie baute sich eine hingebungsvolle Fangemeinde auf und gab ausverkaufte Shows auf der ganzen Welt. Doch im Inneren begann Stelmanis zu stagnieren und ließ sich nicht mehr inspirieren. „Ich verlor den Glauben an meine eigenen Ideen", erklärt sie. Ohne es zu merken, war sie in eine giftige Beziehung geraten, die sie zerrissen hat. Austra spürte das Bedürfnis, die Beziehungen zu kappen, sowohl persönlich als auch beruflich, um ganz von vorne anzufangen. Für ihre erste Single („Risk It") ihres neuen Albums arbeitete sie zum ersten Mal mit externen Produzenten zusammen und holte Rodaidh McDonald und Joseph Shabason zur Unterstützung der Produktion hinzu.

Austra

Bass-Wunderkind und aufstrebende Pop-Ikone Blu DeTiger ist in NYC geboren und aufgewachsen. Schon früh vom Bass angezogen, betrat sie die Bühne im CBGB, bevor der legendäre Club geschlossen wurde, als sie erst sieben Jahre alt war. Mit 17 war sie eine feste Größe in der Kreativszene der Stadt. Während sie in einer Vielzahl von Bands spielte, zeichnete sie sich auch als DJ aus, spielte während ihrer Sets Live-Bass und brachte die Menge zum Tanzen, sei es bei einem Techno-Rave in Brooklyn oder einem hochkarätigen Mode-Event. Blu besuchte NYU Tisch Clive Davis für zwei Jahre. Anfang 2020 schnitt Blu, während sie auch ihre eigene Musik schrieb und produzierte, ihre Zähne ab, als sie mit einer Vielzahl von Künstlern um die Welt tourte. Blu veröffentlichte ihre Debüt-EP im Jahr 2020 und hat seitdem weltweit über 120 Millionen Streams gesammelt.

Blu Detiger

Bonobos am 14. Januar 2022 erschienenes Album „Fragments“ ist die emotional intensivste Platte, die Bonobo alias Simon Green je produziert hat - keine Überraschung also, dass er es auch als sein Opus Magnum betrachtet. Auf dem Album sind Jamila Woods, Joji, Kadhja Bonet, Jordan Rakei, O'Flynn und Miguel Atwood-Ferguson zu hören.  Das Album entstand zunächst aus Ideenfragmenten und Experimenten und wurde schließlich in einem Ausbruch von Kreativität zusammengefügt, der sowohl durch Zusammenarbeit als auch durch Greens Flucht in die Wildnis befeuert wurde.

Als einer der größten Namen in der Dance-Musik kann Simon Green auf drei Grammy-Nominierungen und 2 Millionen verkaufte Tickets für die Tour zu seinem 2017er Album, „Migration“, zurückblicken. „Migration“ war ein Top-Ten-Album in mehreren Ländern, ein Top-Five-Album in Großbritannien, erreichte Platz 11 der deutschen Albumcharts und war Billboards Dance-Album Nummer eins in den USA. Außerdem ist er ein beliebter Mainstage-Performer bei den größten Musikfestivals der Welt. Im Rahmen seiner Fragment Live Tournee wird Bonobo vier Termine in Deutschland spielen, genauer gesagt in Hamburg, Berlin, Köln und München, außerdem schließt er seine Tour ab mit drei aufeinanderfolgenden Abenden in der altehrwürdigen Royal Albert Hall London.

Sein neues Album „Fragments“ ist eine Serie von zwölf klanglichen Bekenntnissen, die einige der härtesten und tanzbarsten Grooves enthalten, die Green je geschaffen hat. Die Balladen sind perfekt platziert. sie fangen eine Welt im Wandel ein und glühen vor Hoffnung. Die Ideen herauszukitzeln, erforderte anfangs einige harte Arbeit. Der ständig auf Tournee befindliche Green arbeitet am besten, wenn er in Bewegung ist, folglich zwang ihn der weltweite Stillstand zum persönlichen Stillstand. 

Es geht in vielerlei Hinsicht um die Tanzfläche, darum, wie „ich mich wieder daran erinnerte, wie sehr ich Menschenmengen und Bewegung und Menschen, die sich miteinander verbinden, liebe“, reflektiert Green. Aber die Positivität liegt nicht nur in den Uptempo-Rhythmen, denn schließlich enthalten auch die introspektiven und melancholischen Stücke große Freude. 

Bonobo


Satin Jackets präsentiert mit seinem neuen Album "Cruise Control" einen perfekten
musikalischen Begleiter für entspannte Momente, die uns vom Alltagsstress befreien.
Der Titel des Albums ist vielsagend: "Cruise Control" steht für das Gefühl, den
Autopiloten einzuschalten, sich zurückzulehnen und die Reise in vollen Zügen zu
genießen - eine Atmosphäre, die das Album entfaltet.
Das Album ist eine Sammlung der Singles, die über die letzten Jahre erschienen und im
Kern alle miteinander verwoben sind. Denn egal, wo man die Songs hört, sie
funktionieren, es entstehen Bilder im Kopf und die Füße bleiben selten still. Mit dem
Albumsound bleibt Satin Jackets sich treu, denn immer wieder bekommt er die
Rückmeldung von Hörer:innen, die die positive Stimmung in seinen Songs schätzen
und die immer wieder für gute Laune sorgt.
So entstehen die Songs zuerst im Kopf des Produzenten und entwickeln sich im
Anschluss gemeinsam mit den Features, die ihre eigene Note mit einbringen. Für Satin
Jackets ist es "das Wichtigste dieses unmittelbare Gefühl, dass es musikalisch und
atmosphärisch passt". Das kann auch aus dem Nichts kommen, so wie bei David Bay
und Small Black, die sich bei dem Produzenten meldeten und es sofort passte.

Satin Jackets

Mit seiner exzentrischen Art und seinem einzigartigen Mix aus Psychedelic-Pop, trippigem Funk und experimentellen Instrumentals hat sich der Neuseeländer Connan Mockasin einen bemerkenswerten Ruf als einzigartiger Performer erarbeitet. Der Multi-Instrumentalist ist ein hervorragender Musiker und Produzent, der mit seinem sanften, von psychedelischem Rock inspirierten Album „Forever Dolphin Love“ (2011) und dem Nachfolger „Caramel“ (2013) seinen Durchbruch feierte, bevor er mit Künstlern wie James Blake, Charlotte Gainsbourg, Dev Hynes, MGMT und John Cale zusammenarbeitete, mit LA Priest das Duo Soft Hair gründete und mit Radiohead auf Tour ging. 

Mit seinem dritten Album „Jassbusters“ (2018) unterzeichnete er bei dem Label Mexican Summer und streifte mit der Konzeptband, nach der die Platte benannt ist, durch Country-Rock, Soul und musikalischen Surrealismus. Im Juli 2021 veröffentlichte Connan „It's Just Wind“, ein gemeinsames Album mit seinem Vater Ade. Die Platte schwelgt in einem Strudel aus surrealistischen Instrumentals und catchy Weirdo-Funk. 

Connan Mockasin

Die pop-orientierte Synthese zahlreicher Stilrichtungen, darunter House, Garage, Dubstep und Bass, sowie perfekt abgestimmte Gesangskollaborationen machten Disclosure zu einem der erfolgreichsten Produktionsteams der 2010er Jahre. 

Obwohl der Weg zum kommerziellen Erfolg für EDM Acts sehr kurz scheint, grenzte sich das Duo, bestehend aus den englischen Geschwistern Guy und Howard Lawrence, mit einem tieferen Bewusstsein für Underground-Tanzmusik bewusst von diesem Genre ab und wuchsen darüber hinaus.

Nach ihrem Debüt im Jahr 2010 produzierten die beiden glänzende, tadellos zusammengestellte Popsongs, angeführt vom globalen Hit "Latch" von 2012, gemeinsam mit dem damals noch unbekannten Sam Smith. Dieser Erfolg wurde mit den Chart-platzierten, Grammy-nominierten Alben "Settle" und "Caracal", die 2013 bzw. 2015 herauskamen, fortgesetzt, die ihren Kreis um AlunaGeorge, Eliza Doolittle, Mary J. Blige und The Weeknd erweiterten. 2018 kehrte das Duo mit einer Reihe von Singles zurück und veröffentlichten 2020 ihr drittes Album "Energy".

Disclosure

Wenn ein Großteil von DJ Seinfelds früherer Arbeit von sepiafarbenem Dunst geprägt war - ein Ergebnis der absichtlichen Lo-Fi-Produktionstechniken des Produzenten - dann rückt seine Musik auf dem brandneuen Album, „Mirrors“, fest in den Fokus. 

Aufgenommen zwischen Berlin und Malmö, ist „Mirrors“ der Nachfolger von Seinfelds von der Kritik gefeiertem Debütalbum, „Time Spent Away From U“, von 2017 und sein erstes für Ninja Tune. Benannt nach einem Zitat von Armands Lieblingsschriftsteller, dem argentinischen Romancier Julio Cortázar, findet sich der Produzent auf dem Album in einer ruhigeren und geerdeten Stimmung wieder, nachdem ein unglücklicher Vorfall in seiner Familie ihn in den letzten Jahren dazu zwang, mehr Zeit zu Hause in seiner Heimat Schweden zu verbringen. 

2016 als Teil der Lo-Fi-House-Szene neben Produzenten wie Ross From Friends und Mall Grab bekannt geworden, veröffentlichte DJ Seinfeld (dessen Name auf ausgedehnte Sessions beim Schauen der klassischen US-Sitcom nach einer Trennung und einem Umzug nach Barcelona zurückgeht) 2017 sein Debütalbum, das unter anderem vom internationalen Rolling Stone und Pitchfork gelobt wurde. Es erregte auch die Aufmerksamkeit von Zeitgenossen wie Flume, Flying Lotus, Bonobo und Martin Garrix und führte dazu, dass Seinfeld zu einem weltweit gefragten DJ wurde, der überall von Glastonbury bis Coachella, Warehouse Project, Sónar By Night und MoMa PS1 Sets spielte und die Bühne mit zahllosen Künstler*innen teilte, von Jeff Mills bis Stormzy, Underworld und Bicep, außerdem begleitete er Disclosure auf einigen Terminen ihrer US-Tour.

DJ Seinfeld

Django Django sind die in Schottland geborenen Dave Maclean und Tommy Grace, der Nordirländer Vincent Neff und der in Yorkshire geborene Jimmy Dixon. Mit ihrem für den Mercury Prize nominierten Debütalbum im Jahr 2012 ging es für die Band schon früh los. Es folgten viele weitere atemberaubende Alben, darunter „Born Under Saturn“ (2015), „Marble Skies“ (2018) und „Glowing in the Dark” (2021). 

Im Juni veröffentlichten Django Django nun ein ausgesprochen elektronisches Album „Off Planet”. Eine Mischung aus 90er, House und Dance, aber wie immer bei Django Django gibt es auch jede Menge Unerwartetes.  

Rock/ Alternative

Django Django

Elder Island sind die Sängerin und Cellistin Katy Sargent, der Bassist und Beat-Maestro Luke Thornton und der Gitarrist und Synthie-Meister David Havard. Elder Island haben sich einen eigenen Platz in unserer Musiklandschaft geschaffen und bestechen durch ihre sich wandelnden Songs. Der Sound des Trios greift Elemente aus so unterschiedlichen Genres wie Electronica, Indie, Pop und Neo-Soul auf und transformiert diese in ein eigenes Soundbild. Das Ergebnis ist ein Klanggeflecht aus poetischer Lyrik und ungewohnten Instrumenten vor dem Hintergrund elektronischer Elemente und synthielastiger Dance-Beats. 

Ihr zweites Album "Swimming Static" folgt auf das hochgelobte Debüt "The Omnitone Collection", mit dem die Band weltweit 200 Millionen Streams und über 1 Million monatliche Hörer auf Spotify verzeichnen konnte. 

Ihre Live-Shows haben eine eigene Form und einen eigenen Ruf angenommen. Die Band weigert sich, sich auf elektronische Backing-Tracks oder Voraufnahmen zu verlassen, und schafft einzigartige und atmosphärische Erlebnisse, bei denen vielschichtige Beats und melodische Klänge die Menge immer wieder zum Tanzen bringen.

Elder Island

Zach Templar makes ambitious indie rock with a scrappy edge. It’s the sort of music that makes tiny moments feel enormous and is delivered with so much honesty, you feel like you’re in the room with the 18-year-old as he pours his guts out.

Raised on a diet of Childish Gambino, Frank Ocean and Omar Apollo, Zach Templar’s music is a “colourful mesh” of everything he loves. Some songs are pretty, stripped back confessionals, others are distorted and melancholic or offer woozy, defiant hope. “I try not to create a box for myself,” he explains, with a heart-first approach to everything he does. “They’re all a vibe though.”

Zach first dabbled in music while still at school, learning classical piano and getting involved in theatre productions but felt stifled telling other people’s tales. “I wanted to write my own stories,” he says. Zach also wanted people to hear them, so taught himself how to produce on a “terrible” laptop before uploading a number of rough and ready tracks to Soundcloud. “Tyler, The Creator and Prince were both big inspirations, because they both wrote and produced their own music. I was also inspired by MF Doom, J Dilla and Steve Lacey though,” he says. It’s a cool blend of forward-thinking artists but his first few songs got lost in the ether. Rather than give up though Zach put in the work emailing 1000s of different playlists and putting himself out there on social media. “I had to learn not to care about looking stupid or putting out songs people might not like. It was all about what I thought was cool.”

Zach Templar

Das aus Manchester stammende Leftfield-Piano Trio GoGo Penguin besteht aus Chris Illingworth (Klavier), Nick Blacka (Bass)und Rob Turner (Schlagzeug). Der Sound des Trios liegt irgendwo zwischen Jazz, Rock, Minimalismus und Soundtrack. GoGo Penguin wurden international in den letzten Jahren als elektrisierende Live-Performer, innovative Soundtrack-Komponisten und als ein Kollektiv gefeiert, das elektronische und clubkulturelle Atmosphären mit minimalistischen Jazz- und Rockeinflüssen verbindet. 

GoGo Penguin

In den Jahren zwischen BAMBI und LP3 im Jahr 2018 sind Hippo Campus – bestehend aus den Sänger/Gitarristen Jake Luppen und Nathan Stocker, dem Schlagzeuger Whistler Allen, dem Bassisten Zach Sutton und dem Trompeter De Carlo Jackson – in Minneapolis erwachsen geworden. Obwohl die Fünf seit der Mittelschule befreundet sind und seit ihrer Gründung eine Reihe von Studioveröffentlichungen released haben, ist es die neue Platte, LP3, die das ehrlichste Porträt von Hippo Campus ist.

Was Hippo Campus mit LP3 wollte, war etwas, worauf sich alle fünf einig waren, die Art und Weise, wie sie in den frühen Tagen der Band Musik machten. Als ihr Erfolg wuchs, stellten sie fest, dass sie bei ihren Visionen Kompromisse machten, darüber nachdachten und wie Fans mit ihrer Musik interagieren würden. 

LP3 ist also ihr bisher stärkstes und vollständigstes Werk – ein frisch gefärbtes Porträt, das junges Erwachsenenalter und Identität ausgräbt und, was noch wichtiger ist, wie diese persönliche Identität in eine größere Kameradschaft passt. Es zeigt, wie sich das Erwachsenwerden wie etwas anfühlen kann, das sich immer an dir vorbei bewegt, wenn du versuchst, es zu begreifen und herauszufinden, was am wichtigsten ist. Durch filmische, klangliche Klarheit ist LP3 ein umfassender Bericht über Mut und Beharrlichkeit; zärtliches Stolpern, das dich doch auf den richtigen Weg führt.

Hippo Campus

Das aus San Francisco stammende Trio bestehend aus Adam Abildgaard, Nick Duffy und Ted Davis hat sich in den letzten Jahren eine treue Anhängerschaft und ständige Begeisterung aufgebaut, wobei die EP „Mood Ring“ von 2019 als ihr bisher am meisten kaleidoskopisches Werk gilt. Hot Flash Heat Wave vereinen die Quintessenz von Melodien der Pop-Vergangenheit mit zeitgenössischen Akzenten, um etwas wirklich Einzigartiges zu schmieden, und fangen gerade erst an, ihre eigene Klangwelt zu erschaffen.

Und die Zukunft scheint von hier aus nur heller: Mit den Singles 'Grudge' 'm o t i o n s' 'Vampires' teasern Hot Flash Heat Wave eine 2022 LP an und bereiten sich auf den nächsten Schritt auf ihrer farbenfrohen Klangreise vor.

Hot Flash Heat Wave

okgiorgio is an Italian artist, DJ, producer, and multi-instrumentalist based in Milan. Known for blending classical guitar influences with electronic music, he has developed a unique approach to sample-based production. With over 100 million streams from writing and producing for other artists, okgiorgio launched his solo project, 

, released in December 2023, has surpassed 1 million streams and gained recognition on major Spotify playlists like 

. In April 2024, okiorgio was named to Spotify's RADAR Italy Class of 2024, with his work featured on Spotify’s Billboard in Times Square. In 2025, okgiorgio will continue to play shows all over Europe and the United States, spreading his passion for his craft and his distinctive style. 

okgiorgio

Rap/ R&B

Isaiah Falls 

Jon Hopkins, beeinflusst von jahrelangen Erfahrungen mit Meditation und Transzendenz, bewegt sich durch ein selbstgeschaffenes Universum, das sich unaufhaltsam ausdehnt und zum Schluss wieder zu einem unendlich kleinen Punkt zusammenzieht. Nahtlos geht es dabei von rauem Techno hin zu choralen Melodien und Solo-Piano Etappen bis zu psychedelischem Ambiente.Seit zwanzig Jahren erforscht er die Beziehung zwischen Stille und Lärm - und bemerkt dabei das Wiederauftreten dieser Nebeneinanderstellungen von gezackten, lauten Geräuschen und leisen Tönen.

Mit seinem neuem Programm „Polarity“ schlägt Jon Hopkins einen neuen Weg ein. Er will die unterschiedlichen Elemente von Härte und Zerbrechlichkeit in seiner Musik in einen ganz neuen Zusammenhang setzten. 

Jon Hopkins

Julianna Barwick ist Komponistin, Sängerin und Produzentin, die bekannt ist für ihre tiefgründigen Kompositionen. Ihr viertes Album „Healing Is A Miracle“, ist eine unverwechselbare Aneinanderreihung von Klang, Hall und Stimme.

Geboren in Louisiana und aufgewachsen in Missouri, wuchs Barwick in einer sehr religiösen Familie auf. Bereits in jungen Jahren sang sie im Kirchenchor und ließ sich von den Gesängen und dem Hall in der Kirche inspirieren. Auch Whitney Houston, Lionel Richie sowie Björk und Tori Amos hatten einen großen Einfluss auf sie.

Diese Einflüsse prägen ihren experimentellen Ätherpop und machen sie so einzigartig.

Julianna Barwick

Manuel Fischer macht durch seine Produktionen Breakbeat-beeinflusste House, New Beat und experimentelle Musik. Aber dieser Titel kann nur lose angewendet werden. Die Tiefe und Breite der Einflüsse, die in seinen Sound einfließen, ergeben ein Produkt voller Untertöne und subtiler Schattierungen. Es ist ein künstlerisches Ethos, das der in Zürich geborene und lebende DJ und Produzent bei seinen DJ-Sets anwendet – er schwingt sich mit Leichtigkeit von beatlosen Ambient-Texturen über zuckerlackiertes Deep House bis hin zu schwereren, dunkleren Industrial-Jams und erzeugt dabei langsame und schnelle brennende, sprudelnde Euphorie.

Manuel Fischer 

Beneath the painted hues and infinite prairie skies of Saskatoon -- a city in the heart of Canada -- lies a soulful, creative spirit that proves there’s much more to the so-called ‘fly-over states’ than grassland and grain silos. Katie Tupper, an indie R&B musician, embodies that spirit and is determined to show there’s an entire world of boundary-pushing music at work within the often overlooked region. Tupper's two EPs of heartland soul - 2022's Towards The End, and 2023's Where To Find Me - have amassed 11 million streams world wide, a JUNO Award nomination (2024 Traditional R&B-Soul Recording of the Year), the praise of tastemakers like Zane Lowe, and international radio spins from BBC 6Music (UK), FIP (France), and CBC (Canada). More recently, Tupper’s covers of everything from Hall & Oates to Jazmine Sullivan have gone viral on social media earning nods from superstars like SZA and Joe Jonas.  

Katie Tupper returns with "Outside The Gate," a devastatingly beautiful track about facing the reality of how you show up for someone you love. Reflecting on the song, Katie says, "I think more people need to feel allowed to admit that we will never be perfect in our relationships even when they are everything we've wanted." And admit she does, with each poignant repetition of "I think I'm broken," hitting deeper every time, giving a raw and beautiful testament to love’s imperfections. 

Katie Tupper

Hinter dem mysteriösen Namen Lane 8 steckt der im sonnigen Kalifornien geborene DJ und Producer Daniel Goldstein, der spätestens seit den lobenden Worten von BBC Radio 1-Moderator Pete Tong in aller Munde bzw. auf allen Dancefloors ist. Von dem britischen Tastemaker als „Futurestar“ gehandelt, zählt der mittlerweile in Leipzig beheimateteTwenty-Something zu den momentan angesagtesten und vielversprechendsten Namen in Sachen House Music.

Mit seinem ebenso ungewöhnlichen wie einzigartigen Signature-Sound unterscheidet sich Daniel grundlegend von der Vielzahl seiner Berufskollegen. Ein Sound, der nicht nur im Club bestens funktioniert, sondern auch auf dem iPod überzeugt – eine Tatsache, die ihm gerade in DJ-Kreisen einen hervorragenden Ruf eingebracht hat. Nach tatkräftigem Support von Größen wie The Magician bis ODESZA und Above & Beyond bis Annie Mac hat die renommierte EDM-Plattform www.inthemix.com den Anjunadeep-Labelact kürzlich ganz offiziell zu einem der „Top 25 trail-blazing producers“ gekürt. Not bad!

Mit seinen auf Anjuna veröffentlichten Tracks wie „Be Mine“, „The One/ Nothing You Can Say“, „Every Night“ oder „Diamonds“ hat Goldstein in der Vergangenheit in schöner Regelmäßigkeit Spitzenpositionen auf Hype Machine belegt und wurde auch von BBC Radio 1-Moderatoren wie Pete Tong, B.Traits, Annie Mac oder Zane Lowe hart abgefeiert. Bis heute ist Lane 8/ Daniel Goldstein der erste Gastkünstler, der auf dem mega-trendigen French Express-Label veröffentlichen durfte, während er mit seinen Remixen für Above & Beyond und Eric Prydz auch sein ausgeprägtes Gespür für den Dance-Mainstream unter Beweis gestellt hat.

Lane 8

Der in London lebende experimentelle Produzent, Multiinstrumentalist und Komponist Leifur James veröffentlichte 2018 sein angesehenes Debütalbum „A Louder Silence“.  Ähnlich wie der gleichgesinnte Floating Points – fusioniert Leifur James auf eine organische Art analoge Elektronik und warme Akustikinstrumente zu einem einzigartigen Mix aus Jazz,Pop, Klassik, Blues, Electronica und Soul. Das Ergebnis? Weiträumige, besinnliche und dennoch energetische Songs mit reichhaltigen Strukturen voller nuancierter elektronischer Instrumentals, dubby Synths und Jazz-Breaks.

Sein mit Spannung erwartetes zweites Album „Angel In Disguise“ erschien 2020, sowie die Single „Sirens" 2021.

Leifur James

Mit seinem 2012 erschienen Debütalbum legte Harley Streten alias Flume den Grundstein für
eine neue Liaison zwischen Hip-Hop, Electronica und Pop, die in den
folgenden Jahren viele Nachahmer fand. Seine ausverkauften Shows und
die zahlreichen Auftritte auf den populärsten Festivals der Welt
beweisen, dass dieser junge Produzent ein außerordentliches Talent
besitzt. 2016 veröffentlichte Flume sein zweites Album „Skin“. Im Rahmen der
darauf folgenden Tour spielte Fume insgesamt 59 ausverkaufte Shows und
verkaufte mehr als 300.000 Tickets weltweit. „Skin“ wurde mehrfach Platin
ausgezeichnet und brachte Flume sogar einen Grammy in der Kategorie „Best
Dance/Electronic Album“ ein. 

Anfang
des Jahres veröffentlichte Flume nach über zwei Jahren Pause sein 38 minütiges
Mixtape „Hi This Is Flume“. Das Mixtape umfasst 17 Tracks mit Features von
SOPHIE, Eprom, JPEGMAFIA, HWLS, slowthai und Kučka.
Wie auf seinen vorherigen Projekten schafft es der australische Produzent
Hip-Hop, Electronica, Trap und Pop Elemente nahezu nahtlos miteinander zu
verschmelzen.

Flume

“Vynehallhas developed into a master craftsman” – 

LeonVynehallis an artist of distinct talent” – 

Seine bahnbrechende EP "Music For The Uninvited" aus dem Jahr 2014 wurde von den Funk-, Soul- und Hip-Hop-Kassetten inspiriert, die seine Mutter auf dem Schulweg im Auto spielte. Das Album verbreitete sich organisch, allein durch die Kraft der Musik, übertraf seine Tanzfläche und beendete das Jahr auf einer Vielzahl von "Best of the Year"-Listen, darunter Pitchfork, FACT und Resident Advisor.

"Music For The Uninvited" war ein wunderbar vielseitiger Einblick in die Klänge eines jungen Talents, das mittlerweile über sechs Jahre internationales DJing und mehrere Veröffentlichungen bei hoch angesehenen Imprints wie 3024, Rush Hour und Running Back hinter sich hat.

Videospiele, Kindheitserinnerungen, von seinen Eltern entdeckte Sounds und die Großfamilie: Diese Momente der Jugend haben sich alle als wichtige Katalysatoren in Vynehalls Produktionen erwiesen. Mit seinem Debütalbum „Nothing Is Still“ taucht Vynehall tiefer in die Familiengeschichte ein, die seine ikonischsten Tracks inspirierte, und kehrt gleichzeitig zu seinen eigenen musikalischen Wurzeln zurück.

Leon Vynehall

Lewis OfMan – Multiinstrumentalist und Multitalent – Mit „Frisco Blues", dem Nachfolger von „Highway" (ft. Empress Of) aus dem Sommer 2023 gibt das französische Pop-Wunderking einen ersten Einblick in sein kommendes Album für 2024. Basierend auf einer Akustikgitarre und einem fröhlichen Kinderchor, der von einer Platte gesampelt wurde, die Lewis in New York gefunden hat, bestätigt der Track die neue Richtung: akustisch, organisch, spontan und verträumt. 

Lewis Delhomme, bekannt unter seinem Künstlernamen Lewis OfMan, ist ein französischer Produzent, Sänger, Songwriter, Pianist, Gitarrist und Drummer. Mit nur 11 Jahren lernt Lewis das Schlagzeugspielen. Dies bleibt aber nicht seine einzige Leidenschaft, denn er lernt auch schnell Gitarre, Klavier und Keyboard zu spielen. Ein Jahr später ist er Drummer in einer Band und nimmt seine ersten Solokompositionen als Lewis OfMan am iPad auf. Sein Sound ist geprägt von Samples seiner Instrumente und Kompositionen. 

Lewis OfMan

Über zwei Jahrzehnte sind vergangen, seit Animal Collective versehentlich begonnen hat, den Sound und das Image dessen neu zu erfinden, was hier am einfachsten als Indie-Rock zu bezeichnen ist. Von Anfang an machten sie den letzten Endes seltenen Trick, undurchschaubare Experimente in Songs zu stecken, die so ansteckend waren, dass sie zu Generationenstandards wurden und eine neue Zulässigkeit innerhalb einer manchmal schwerfälligen Szene ermöglichten. Sie haben dazu beigetragen, die Welt für The Grateful Dead und Tie-Dye oder Indie-Rock für Gamelan und Juju sicher zu machen. Einflüsse, darauf bestanden sie implizit, sind weniger wichtig als die Musik und der Geist, den sie inspirieren. Solche paradigmenbrechenden Lektionen gehören heute einfach zum Paradigma, philosophischen Eckpfeilern der modernen Musik. Aber Animal Collective hat nie still gesessen, nicht einmal auf den Eckpfeilern, die sie mitgestaltet haben.

Animal Collective

Unter dem Namen King Krule erschien Archy Marshall aus UK erstmals 2010 auf der
Bildfläche. King Krule vereint in seinen Songs Indie-Pop, HipHop, Electronic,
Neo Jazz und Ambient. 2013 veröffentlichte der damals noch 19-jährige Marshall
sein Debütalbum „6 feet beneath the moon“ via XL Recordings und kürte sich zur
Stimme einer ganzen Generation. Seine belegte und rauchige Stimme wollte nicht
so recht zu dem jugendlichen Äußeren passen, faszinierte dadurch aber umso mehr.
Und doch ließ sie erahnen, dass bei diesem Künstler Dämonen und Abgründe Teil
des Charakters sein mussten. Bei allem Eigensinn war das Debüt des Engländers
vor 10 Jahren ein introspektives Gitarrenalbum, mit einigen Hits und auch einer
lebensbejahenden Grundstimmung.

Vor zwei Jahren veröffentlichte der mittlerweile 25-Jährige sein Zweitalbum „The Ooz“,
deutlich elektronischer und trippiger als sein Vorgängeralbum; die Stimmung
düsterer als zuvor. 2020 erschien dann King Krules aktuelles Album Album „Man
Alive!“. Das Album entstand zum größten Teil in London. Marshall, der bereits
wusste, dass er bald Vater werden würde, verbrachte seine Tage meist in Pubs,
um dann am Abend leicht benebelt seine Songs zu schreiben. Sein Ziel war es,
mit den Aufnahmen fertig zu werden, bevor das Kind kommt. Der Plan ging aber
nicht auf, weswegen Marshall mit seiner Familie aufs Land zog, um dort das
Album fertigzustellen. Für King Krule geht es nun vom verschwitzen Jazzkeller
in den ländlichen Pub. Das Ergebnis ist ein King Krule typisches Album. Es geht
um Einsamkeit, Traurigkeit und Depressionen. Mit seinem düsterem
Jazz-Fusion-Sound und seiner schroffen und kantigen Stimme bleibt King Krule
nach wie vor unverwechselbar.

King Krule

Sie sind selten, aber es gibt sie, diese Sorte von Bands, bei denen scheinbar jede einzelne kreative Komponente ineinander passt, um in schier unerschöpfliche Originalität zu münden und schließlich eine Geschichte zu erzählen die stimmig ist, jedoch keineswegs monoton. Little Dragon sind eines dieser raren Exempel, die im Laufe der Zeit und mit der richtigen Portion Bauchgefühl Einzigartiges schaffen. Vier Freunde, die mit ihrer gemeinsamen Leidenschaft erfolgreich sind.

Ihre Geschichte beginnt Mitte der Neunziger im schwedischen Göteborg. Frontfrau Yukimi Nagano, Drummer Erik Bodin und Bassist/ Keyboarder Fred Wallin (den Big Boi von Outkast liebevoll ‘Freaky Fred’ nennt) lernen sich in der Schule kennen. Ihre ersten musikalischen Gehversuche blieben eben diese. Yukimi spielte langsam mit dem Gedanken eine Solokarriere anzustreben. Doch Anfang 2000 trafen die Drei auf den Sythie-verliebten Håkan Wirenstrand, die noch fehlende Zutat sozusagen. 

2007 folgte das Debütalbum Little Dragon mit der Durchbruch-Single „Twice“. Während der Erfolg im heimischen Schweden erst einmal ausblieb, führte der Song in den USA eine Art Eigenleben und brachte der Band ihre ersten eigenen Shows in Los Angeles ein. Als 2009 das elektronischer anmutende Folgealbum erschien, lud Damon Albarn Little Dragon prompt als Tour-Support auf die Gorrilaz „Plastic Beach“-Tour ein. Von da an ging es für Little Dragon steil bergauf. Ständig unterwegs, entstand das dritte Album der Band auf Tour und zwischendurch. Mit „Ritual Union“ etablierte sich das Quartett endgültig als Vorreiter experimenteller Popmusik. 

Nach über einer Dekade im Musikgeschäft trägt die Band ihren Sound weiter und modifiziert ihn zu einer Mischung aus Downtempo und treibenden, elektronischen Beats. Als gelungenen Beweis liefern sie 2017 ihre fünfte Platte„Season High" ab. Ende April erschien dann endlich das lang erwartete neue Album „New Me, Same Us”, welches komplett in Eigenregie im selbstgebauten Heimstudio in Göteborg aufgenommen wurde. Wie kaum eine andere Bandschaffen Little Dragon hohe Emotionalität in Klänge zu kleiden, die Herz und Tanzbein gleichermaßen zucken lassen. Live kommt das noch stärker zum Tragen, da im Herzen ihrer Bühnenshows oft schweißtreibende Percussions den wilden Schlag angeben, den nur Yukimi mit ihrer wundervollen, weltfernen Stimme im Zaum zu halten vermag.

Little Dragon

Miso Extra

Julie Campbell, auch bekannt als LoneLady, ist eine Musikerin, Songwriterin, Sängerin und Produzentin aus Manchester, England. Inspiriert vom britischen Post-Punk begann Julie Anfang/Mitte der 2000er Jahre mit Aufnahmen auf einem 4-Spur-Kassettenrekorder in ihrer Hochhauswohnung in Manchester, während sie ein Kunststudium absolvierte. Als Autodidaktin auf vielen Instrumenten, darunter Gitarre, Bass, Synthesizer, Drumcomputer und später auch Cello, schreibt Julie alle Parts und spielt alle Instrumente auf ihren Aufnahmen. 

LoneLady ist zurück (März 2021) mit der neuen Single "(There Is) No Logic", einem druckvollen, von Elektro und R&B geprägten Track, der über Warp Records veröffentlicht wurde. "(There Is) No Logic" verschmilzt Menschlichkeit und Hardware, mit widerspenstigen, zerhackten Vocal-Samples, die über verdrehte Funk-Rhythmen gelegt werden. Der Song wurde von Julie Campbell geschrieben, produziert und performt." (There Is) No Logic" ist eine prägnante Rückkehr nach ihrem vorherigen Album "Hinterland", es ist der Klang eines kreativen Motors, der erneut zündet.

LoneLadys eindringliches Debütalbum "Nerve Up" wurde 2010 auf Warp veröffentlicht und von der Kritik hoch gelobt. John Doran (The Quietus) vom NME nannte es ein "einzigartiges, brillantes Debüt“. Julies zweites Album "Hinterland" wurde 2015 mit großem Kritikerlob veröffentlicht. Die längeren, groove-orientierten Tracks spiegeln Julies wachsende musikalische Palette wider, die nun auch Elemente der elektronischen Tanzmusik und des Funkbeinhaltet. Alle vier Singles, die aus Hinterland veröffentlicht wurden, erreichten die "A"-Playlist auf BBC6 Music und 2015 erhielt Julie auch eine Sky Arts Nominierung für den besten Durchbruchskünstler.

LoneLady

Martina Topley Bird, eine der einzigartigsten Stimmen Großbritanniens in den letzten 25 Jahren, hat ihre längst überfällige Tournee angekündigt, um ihr beeindruckendes neues Soloalbum „Forever I Wait" zu präsentieren.

Zum ersten Mal seit über 10 Jahren kehrt die Sängerin von Massive Attack, Gorillaz, Tricky und Prodigy auf die Bühnen Europas zurück, um ihre unvergessliche Stimme und ihr Talent mit ihrem Solowerk zu präsentieren. Nach Welttourneen mit Massive Attack als Headliner auf Festivals und in Arenen bringt die markante, souveräne und unverkennbare Topley Bird ihre unendliche Kreativität in ihre eigene Solo-Show ein, die neben Songs aus ihrem für den Mercury Prize nominierten Debütalbum auch Songs aus ihrem neuen, selbst produzierten Album „Forever I Wait"enthalten wird.

Wenn man bedenkt, wie viel Erfahrung Martina Topley Bird hat - von großen Shows mit Massive Attack und Gorillaz bis hin zu One-Woman-Shows, bei denen sie nur mit Loop-Pedalen bewaffnet ist - dann sollte man sich diese kommenden Live-Shows nicht entgehen lassen.

Martina Topley-Bird

Die in Berlin lebende Neo-Soul Sängerin May The Muse, geboren als Désirée Dorothy Mishoe in Bad Nauheim und aufgewachsen in einer „rassistischen und sexistischen Kleinstadt in Belgien“, entdeckte die Musik schon früh für sich. Seit 2018 in Berlin beheimatet, arbeitete sie zuletzt unter anderem mit Chefket, Robot Koch und Parra For Cuva. Die mit ihrem langjährigen Producer-Freund Matthew Kent aufgenommene EP „When Mercury Fades“ bescherte ihr zuletzt viel Kritikerlob (u.a. The Line Of Best Fit, Berliner Zeitung, Radio Eins, Musikexpress…) sowie eine Einladung für eine gefeierte A COLORS SHOW Anfang 2021.

Inspiriert von ihrem Hang zur Natur und der Suche nach Balance und innerer Ausgeglichenheit im Treiben der Großstadt, ist die in Berlin lebende Sängerin und Songwriterin May The Muse momentan dabei, die Arbeit an ihrem Debütalbum abzuschließen: Ein Longplayer, der überraschend reif klingt für einen Erstling – weil sie bewusst nichts überstürzt hat.

May The Muse

Following the success of her debut Plæygirl 001 event in London, acclaimed Danish artist MØ is taking her one-of-a-kind party on the road with the announcement of the Plæygirl Tour. Launching this March, the tour will transform iconic venues across Europe into dark wave dance parties with a punk spirit, celebrating individuality, freedom of expression, and the thrill of live music. 

A nod to MØ’s punk roots and the early-2010s live music scene in Brooklyn, Plæygirl reimagines the club experience with a Nordic twist: black dress codes, face paint, and an anti-club ethos. It's a night for outsiders and creatives alike, blending music, performance, and community in a space where self-expression reigns supreme. 

"Plæygirl is about rejecting conformity and embracing who you are, unapologetically. This is the world I always wanted to create for my fans – a space where we can all just PLÆY and let go." – MØ 

The Plæygirl Tour arrives ahead of MØ’s highly anticipated fourth studio album, Plæygirl, releasing May 16 via RCA/Sony UK. The album, created alongside producer Nick Sylvester (The Dare, Channel Tres, Yaeji, Empress Of), is an introspective yet playful collection that channels MØ’s journey through reinvention and self-discovery. The latest single from the album “SWEET Ft. Biig Piig” is available everywhere now. 

Nachdem ihr letztes Album Body Talk von Robotern und Mechanik geprägt war, schlägt Robyn mit Honey nun wärmere und sinnlichere Töne an. Es ist ein Album über das Menschsein, das mit Trauer und Verlust beginnt, um sich von dort aus zu ekstatischen Höhen der hellen Freude aufzuschwingen. „Ich hab viel getanzt während der Arbeit an diesem Album“, so Robyn. „Ich habe eine Sinnlichkeit und Weichheit in mir gefunden, die ich vorher nicht so einsetzen konnte. Es wurde einfach alles sanfter.“

Auch wenn sie zwischen den beiden Alben quasi ununterbrochen gearbeitet hat – an Remixen eigener Songs ebenso wie an Neben- und Kooperationsprojekten – tritt sie mit Honey zum ersten Mal wieder als Robyn in Erscheinung, seit die lange Tourneephase nach dem Welterfolg von Body Talk vorbei ist. Gedanken an ein neues Album beschäftigten sie schon 2014, doch ihr Selbstbewusstsein war gesunken. „Ich wollte eine Platte machen, aber ich konnte nicht“, erinnert sie sich. „Ich wusste nicht mehr, wie das geht. Ich wusste nicht, welche Art von Musik ich machen wollte. Alles kam mir gezwungen und ausgedacht vor.“ Zwischendurch war sie sich nicht einmal sicher, ob sie überhaupt ein weiteres Album machen könne. „Irgendwann wollte ich keine traurigen Liebeslieder mehr schreiben. Mein eigenes Leben schien mir aus dem Hals zu hängen“, gesteht sie lachend. „Genug davon!“

Robyn

Obwohl Mild Orange aus Neuseeland von einem der isoliertesten Orte der Erde stammen, sind sie zu einer weltbekannten Band geworden, die sich eine internationale Anhängerschaft auf der Grundlage von Songs aufbaut, die sich wie Geheimnisse entfalten, die zwischen Freunden und Liebhabern geteilt werden.


Seit ihr virales Debütalbum „Foreplay“ im Jahr 2018 von ihren Universitätsschlafzimmern aus die Welt erreichte, haben Mild Orange (neben der Macht des Internets und den liebenswerten Menschen darin) diese äußerst unabhängige hands-on Band seitdem dazu gebracht, über 120 Millionen Streams und Aufrufe weltweit zu sammeln. Dies hat dazu beigetragen, dass die Band ihre kraftvollen und dennoch nachdenklichen Live-Shows rund um den Globus ausverkauft hat, von Auckland bis Paris, von London bis New York und darüber hinaus.


Die Band ist jetzt nach London umgezogen, nachdem sie gerade ihr drittes Album „Looking For Space“ veröffentlicht hat, das der Rolling Stone „die Band in ihrer besten Form“ nennt. Mild Orange touren mit ihrem neuen Album im September/Oktober 2022 durch Europa, die USA, Kanada, Australien und Neuseeland.


In Mild Orange findent sich eine Wertschätzung für die Liebe, das Leben und die schönen Momente dazwischen – oder wie Billboard es ausdrückt: 

you will find a band that has mastered the art of making music for the nostalgic.

Mild Orange

Tom Misch ist ein britischer R&B-, Jazz- und Soulmusiker, Musikproduzent und Sänger aus London. Der am 26. Juni 1995 als Thomas Misch geborene Küstler machte sich bereits bevor er volljährig war einen Namen in der Londoner Beatmaker-Szene. Im Jahr 2014 begann Misch, Mixtapes und Singles zu veröffentlichen. 2018 schaffte Misch es mit seinem Debütalbum „Geography“ in die Top Ten der britischen Charts.

Aufgewachsen in einer kunstaffinen Familie, kam der Sohn eines Psychiaters früh in Kontakt mit unterschiedlicher Musik und verschiedenen Instrumenten. Bereits als Vierjähriger begann Tom Misch, Geige zu spielen und erlernte im Laufe der Jahre Gitarre, Bass und unterschiedliche Tasteninstrumente. Im Alter von 15 Jahren begann Mischs Affinität zu 90er-Jahre-Hip Hop, die ihn inspierierte, selbst zu produzieren; als Vorbild nennt der Künstler vor allem J Dilla. Neben dem Jazzgitarren-Studium veröffentlichte Tom Misch mehrere EPs und brachte Anfang 2018 sein Debütalbum "Geography" heraus, für das er mit Gästen wieDe La Soul,Poppy Ajudha und Loyle Carner zusammenarbeitete.

Tom Misch

Sometimes music is about number sequences. When Modeselektor [Gernot Bronsert + Sebastian Szary] and Apparat [Sascha Ring] decide to become one, it is a trio band called Moderat who is brought into their tuneful world. Good things always come in threes and the result of this brilliant addition is unambiguous: hardly anybody has brought electronic music from Berlin to the farthest flung corners of the world with more passion and enthusiasm than these two heavyweights. 

In 2002, Sascha, Gernot and Sebastian met for the first time. At that time, Apparat and Modeselektor were well established in the Berlin music scene. Sascha had already released his debut album and Gernot and Sebastian a series of 12’’s. Collaborating together wasn’t even debatable, the question was: When will they join forces? 

Moderat laid their foundation in 2003 with the EP Auf Kosten der Gesundheit and then needed six years to put together the album Moderat. Perhaps the secret of this collaboration lies in the fact that they never even tried to get close to one another. Modeselektor’s thundering bass rumbles in the cellar, Apparat’s sensitive and subtle melodies float high in the eaves. The fact that what one assumes to be incompatible actually communicates, is what makes Moderat so unique. Thus, when a band is successful, usually after a first album you would expect a second. Mathematics is all based on logic and it was not the time for surprises for Moderat. This one came out in August 2013 on Monkeytown Records and is soberly called II. 

Time passes and the group remained on the same path. Concerts follow album releases, new singles precede new albums and the fans have become accustomed to this frenetic pace of events and closely follow what Sascha, Szary and Gernot offer from their subdivided work. Moderat are three family members that managed to create together what they don't do individually. Modeselektor is holding the frame and brings the colors, Apparat is painting the story that the group wants to tell. In 2016, the release of their album III follows. In 2017, Moderat announced that they’d be taking an extended break following a final concert in their hometown of Berlin in front of 17.000 people. 

And in 2022 they return with a new album and a new live show. MORE D4TA, the group’s fourth album, arrives more than six years after its predecessor, yet its contents are quintessentially Moderat. Created largely during a time when touring (and most traveling) was off the table, MORE D4TA is an album that wrestles with feelings of isolation and information overload — issues that have become particularly pronounced recently. The album is rooted in collaboration, but long before any of its tracks were laid down, Moderat spent months hanging out and getting musically reacquainted, indulging in extended bouts of experimentation and slowly fleshing out ideas as they dove into modular composition, field recordings and other sonic oddities. They’re not a conceptual outfit, and never have been: After spending the better part of two decades making music together, they’ve carved out a sound and aesthetic that are all their own, and MORE D4TA showcases a group that’s creatively recharged and fully dedicated to its craft.

Moderat

Marc Rebillet is a one-man improvised meltdown. No two shows are ever the same.

Marc Rebillet

Daniel Sloss hat sieben New Yorker Off-Broadway-Saisons ausverkauft, ist zehnmal in der US-Fernsehsendung "Conan" aufgetreten, hat beim Edinburgh Festival Fringe Kassenrekorde gebrochen und war bisher in 53 Ländern auf Tournee.

Zu seinen früheren Erfolgen zählen "HUBRiS" (laut Pollstar die weltweit größte Comedy-Show des Jahres 2021) und das gefeierte, bahnbrechende "X" (das weltweit atemberaubende 300 Vorstellungen in 35 europäischen Ländern, Großbritannien, Nordamerika, Australien, Hongkong, Japan und ausverkaufte Zusatzvorstellungen in New York und Los Angeles hatte). Der Konzertfilm von "X" wurde landesweit bei Vue veröffentlicht und war das erste Comedy-Special, das im Vereinigten Königreich seine Kinopremiere feierte.

Penguin veröffentlichte Daniels erstes Buch "Everyone You Hate is Going to Die" im Jahr 2021, und seine Netflix-Specials "DARK" & "Jigsaw" werden in 190 Ländern (auf 26 Sprachen) gestreamt. 

Non Music

Daniel Sloss

Monolink heißt eigentlich Steffen Linck. Und er hat sich in den letzten Jahren als Singersongwriter, der seine Kompositionen mit elektronischer Musik anreichert, ein Publikum zwischen Fusion und Coachella Festival erspielt. Im Juni erschien nun Monolinks zweites Album „Under Darkening Skies“.

Eigentlich wollte Monolink als Folk-Musiker auf den Bühnen stehen, doch die richtigen Produzenten und Partner, um seine Klangvisionen zu entwickeln, traf er damals nicht. Als er 2009 nach Berlin kam, begann er aufzulegen, brachte sich die Software und das Produzieren selbst bei und konnte so seinen eigenen Songs einen Rahmen geben, in dem sie ihren Platz fanden und die Melodien sich ausbreiten konnten. „Ich hatte genau diese Musik im Ohr, die ich hören wollte, aber die gab es noch nicht so richtig“, sagt der Sänger, Songwriter, Multiinstrumentalist, Produzent und Live-Act. Also machte er sie selbst. Intelligente, melodische Tanzmusik.

2018 veröffentlichte Monolink sein hochgelobtes Debütalbum „Amniotic“, das über 100 Millionen Mal gestreamt wurde. Seine erste Headliner-Tour (als 3-köpfige Band) durch Deutschland und die Schweiz im gleichen Jahr war so beliebt, dass vier zusätzliche Termine hinzugefügt wurden, um der Nachfrage gerecht zu werden. Allein in Berlin waren seine drei Shows im Säälchen innerhalb weniger Minuten ausverkauft. Zusätzlich spielte er ein mitreißendes Set auf dem Burning Man Festival, welches auf Youtube mittlerweile über 12 Millionen Views gesammelt hat.

Monolink

"Drift Series 1“ ist Underworlds erstes Album seit 2016,
„Barbara, Barbara we face a shining future“. Seit Jahren bringt das Duo
aus UK Techno, Acid, House und Dub auf einen einzigartigen Nenner und
erweiterten die Grenzen des Elektro-Genre. Auch heute haben Underworld nichts
von ihrer Relevanz eingebüßt. "Drift Series 1“ markiert den Abschluss
ihrer ambitionierten 52-wöchigen DRIFT-Serie. Während dieser Zeit werden jeden
Donnerstag Musik-, Film- und Textstücke veröffentlicht, als Teil des laufenden,
sehr öffentlichen Aufnahmeprozesses der Band; ein einzigartiger und visionärer
Raum, den Smith und Hyde für sich selbst geschaffen haben. Bis zum Ende
der DRIFT-Serie wird Underworld in seiner einjährigen Laufzeit mehr neue Musik
und Filme veröffentlichen als in den letzten fünfzehn Jahren zusammen. 

Underworld

Was haben Kamasi Washington, Stevie Wonder, The Internet und Jill Scott gemeinsam? Alle haben bereits mit der US-amerikanischen Neo-Soul Band Moonchild zusammengearbeitet. 

„Starfruit" ist das fünfte Album des LA-Trios Moonchild (Amber Navran, Andris Mattson und Max Bryk) und erscheint am 10. Februar. „Starfruit" ist das Ergebnis von zehn Jahren gemeinsamer Arbeit und Entwicklung und zeigt den Respekt, das musikalische Verständnis und die Liebe des Trios, sowohl füreinander als auch für die bemerkenswerte Liste der auf dem Album vertretenen Mitstreiter. „Starfruit" bietet eine Fülle schöner Melodien und persönlicher Texte und enthält Beiträge von Lalah Hathaway, Alex Isley, Tank and The Bangas, Rapsody, Ill Camille, Mumu Fresh, Chantae Cann und Josh Johnson. "Dies ist unser 5. Album, was sich für uns wie ein großer Meilenstein anfühlt", so Amber.  Neben der umfangreichen Liste von Künstlern, die auf der LP vertreten sind, experimentieren Moonchild mit neuen Synthesizern und Sounds und bleiben ihrem Stil dabei trotzdem treu.

Auf ihrer ersten Veröffentlichung mit Kollaborationen nutzen Moonchild die Gelegenheit, auf „Starfruit“ mit einer Reihe gefeierter schwarzer Musikerinnen zu arbeiten. "Ich war so überglücklich, dass sie dabei waren, und ich bin besessen von allem, was sie gemacht haben!" schwärmt Amber. "Allzu oft bekommen schwarze Frauen nicht die Anerkennung und den Ruhm, den sie für ihr unglaubliches Talent und ihre Beiträge zur Musikindustrie verdienen, und zwar in jeder Branche, Szene und jedem Bereich. Jede dieser Frauen war eine große Inspiration für uns, und wir fühlten uns sehr geehrt, dass wir die Gelegenheit bekamen, mit ihnen Musik zu machen". Jede von ihnen hat ihren eigenen Gänsehautmoment bei „Starfruit".

Diese bahnbrechende Veröffentlichung folgt auf Moonchilds von der Kritik gefeiertes Album „Little Ghost". Nach der Veröffentlichung von „Little Ghost" spielten Moonchild einige ihrer bisher größten Shows, tourten mit Jill Scott und traten beim Tiny Desk auf, bevor die Dinge aufgrund von COVID-19 unterbrochen wurden. Wie Amber erklärt: "Wir haben alles verarbeitet, was in der Welt passiert ist, haben einige Zeit abseits der Musik verbracht, viel mit anderen Künstlern zusammengearbeitet, das neue Moonchild Album gemacht und ein paar Quarantäne-Hobbys aufgenommen."

Moonchild haben mit hoch angesehenen Namen aus der Musikbranche zusammengearbeitet und getourt, darunter Kamasi Washington, Stevie Wonder, The Internet, Jill Scott, wurden mit Größen wie Tom Misch und Jordan Rakei verglichen und haben sich eine Reihe von ikonischen Unterstützern aufgebaut, von Robert Glasper (der mit Navran an seinen eigenen Projekten zusammengearbeitet hat) und Laura Mvula bis hin zu James Poyser, Jazzy Jeff, 9th Wonder und Tyler, The Creator.

Moonchild

Schon mit ihrem Debütalbum „Communion“
haben Years & Years einen Entwurf abgeliefert, der vor allem Grenzen
sprengt und Hierarchien umkehrt. Teils Gesellschaftskommentar, teils pure
Fantasiewelt, ist der Longplayer „Palo Santo“ die logische Fortsetzung: ein
weiterer Schritt auf musikalisches und kulturelles Neuland nämlich. Die gesamte
Story der LP sei in einer fiktionalen futuristischen Metropole namens Palo
Santo angesiedelt, wie die Band schon im April durchschimmern ließ. „Ich will
die Leute mitnehmen auf ein wildes, ein wundervolles Abenteuer, in meine
Traumwelt, eine Welt, die ganz anders ist als die gewöhnliche“, sagte der
27-jährige Brite weiter über das Album, das auch von Bowie, von Gaga, von
Prince inspiriert sei. „Ich denke schon sehr lange über diesen Ort nach; es ist
ein Ort, über den man Geschichten erzählen kann... Geschichten über das Wesen
der Identität, über Sexualität, über Ruhm, über das Performen“.

Years & Years

M¥SS KETA ist der Engel mit Sonnenbrille, immer verschleiert. Ihre verborgene Identität ist der beste Weg, die Wahrheit zu sagen, denn 

„kein Gesicht zu haben, erlaubt es, in jedem von uns ein bisschen M¥SS zu finden“

Performer, Rapper mit Punk-Attitüde, Pop-Ikone und Diva. M¥SS KETA kommt aus Mailand, es könnte nicht anders sein. Als wahre Anführerin leitet sie die Squat „the girls from Porta Venezia“. M¥SS KETA brennt mit ihren Mädels die Bühnen der größten Festivals und Clubs Italiens in einem Jubel aus Techno, House, Dubstep und Rap nieder. Eine wahre Priesterin der Nacht, die ihre Anhängerinnen durch ihre sakrilegischen, exzessiven und radikal hyperrealistischen Worte aufpeitscht. Ihre Live-Shows sind übersinnliche Erlebnisse, ihre Texte der X-Ray einer Nation.

M¥SS KETA

Haaland936

South London artist Bina (stylized as BINA.) first came onto the scene in 2019 with her debut EP Humble Abode. Fusing elements of alternative R&B, neo-soul and indie, BINA. swiftly became one to watch. Inspired by the likes of Kelela, Erykah Badu and BADBADNOTGOOD, BINA. is representing a generation of vocalists that are choosing not to be constrained by production. Whether on a bedroom pop or an experimental jazz beat, BINA.’s voice will always sit perfectly.

BINA.’s music details the path of a young darkskinned black woman on a journey of self-discovery and introspection. Her music creates a very immersive world for her fans but the extent of her creativity doesn't stop there as she also produces and learnt how to DJ. She has modelled for several brands including Anciela London in London Fashion Week and Doc Martens.

BINA.

Der zum Nachdenken anregende Rock von Parquet Courts tanzt zu einer neuen Melodie. Auf "Sympathy For Life" zeigt sich die Band aus Brooklyn sowohl instinktiv als auch elektronisch. „Sympathy For Life“ entstand größtenteils aus improvisierten Jams, inspiriert von New Yorker Clubs, Primal Scream und Pink Floyd, und wurde in Zusammenarbeit mit Rodaidh McDonald (The xx, Hot Chip, David Byrne) produziert. Im Gegensatz zu seinem weltweit verehrten Vorgänger, dem 2018 erschienenen „Wide Awake!“ lag der Fokus eher auf Groove als auf Rhythmus.  „Wide Awake! war eine Platte, die man auf einer Party auflegen konnte", sagt Co-Frontmann Austin Brown. "Sympathy For Life ist von der Party selbst beeinflusst.“

Eigentlich hätte das neue Album bereits im letzten Jahr erscheinen sollen. Als alles auf der Welt stillstand, verschob sich zwangsläufig auch die Veröffentlichung des Albums. Diesen Oktober erscheint es endlich, genau ein Jahr zu spät, aber dennoch pünktlich: „Es fühlt sich an, als wäre es vor Ewigkeiten geschrieben worden", so Brown. „Aber auch, dass das, wofür es steht, in der Zeit nach der Pandemie mehr denn je zählt. Außerdem sind die Clubs wieder geöffnet. Es ist an der Zeit, wieder zu tanzen."

Parquet Courts

Sosa La M

Brennan Savage

Priyas Ragu macht R&B, zugleich ist sie anders als sämtlicher R&B, den man zuvor gehört hat. Es ist sowohl seltsam vertraut als auch komplett unerkennbar. Man stelle sich Kehlani, Summer Walker oder Snoh Aalegra durchzogen von südindischer Instrumentierung vor, um eine ungefähre Vorstellung des Wunderwerkes zu haben, der tiefgreifenden Magie von Priyas betörender Musik. Produziert von ihrem Bruder, Japhna Gold, und geschrieben komplett von Priya und ihrem Bruder, ist die Musik in den Klängen ihres kulturellen Erbes getränkt, von großartigen Kollywood-Samples (ähnlich wie Bollywood, doch aus Tamil Nadu im Süden Indiens stammend) und Krishna-Mantras bis hin zu traditionellem Tabla und der tamilischen Sprache selbst. Ihre Musik ist eine essenzielle Momentaufnahme der sri-lankischen und südindischen Sounds, von den Straßentänzen der Kuthu über religiöse Gesänge, wie man sie typischerweise in Tempeln hört, bis hin zu Einflüssen von Musikern wie Ilyaraja, Deva und A.R. Rahman, während sie zugleich mit beiden Füßen fest im Moment steht. Priya hat eine bemerkenswerte Stimme. Sie ist warm und melodiös und zugleich von einer mühelosen Emotion durchzogen, die Freude ebenso wie Verlangen zum Ausdruck bringen kann. 

Mit ihren Songs gehe es ihr darum, Erwartungen zu unterlaufen, sagt Priya: "Ich will die Stereotypen infrage stellen, dass sri-lankische Menschen im Wesentlichen allesamt Köche, Reinigungskräfte oder Verkäufer sind. Menschen, auf die man herabblickt. Leute, die man selten beneidet oder begehrt. Ich bin stolz darauf, wer ich bin. Und meine Musik zelebriert das."

Priya Ragu

Purity Ring ist das kanadische Duo bestehend aus Corin Roddick und Megan James. Mit ihrem 2012 erschienen Debütalbum „Shrines“ verdienten sie sich großes Lob, ihr Future-Pop Konzept tauchte in allen relevanten Jahrebestenlisten auf, sie spielten einschlägige Festivals (von Coachella bis Melt und Dockville) und weltweit ausverkaufte Shows, darunter auch 2015 im Berghain. Seit Jahren beweisen Purity Ring, wie nachhaltig ihr Dreampop-Electronica-Entwurf ist.

2015 veröffentlichte das Duo ihr Zeitalbum „another enernity“, hochgelob von den einschlägigen Musikmagazinen wie Pitchfork, NME oder Rolling Stone. Wie auf ihrem Debütalbum glänzen Roddick und James mit futurischem Sound-Design, sphärischen Synthie-Flächen, einer einzigartigen Stimme und einem Händchen für einprägenden Melodien.

In den letzten Jahren wurde es ruhig um das kanadische Duo. Die letzten Monate nutzten Roddick und James und zogen sich in ihr Studio zurück, um in Ruhe an neuer Musik zu arbeiten. Nun melden sich Purity Ring endlich wieder zurück!

Purity Ring

Nisker startete ihre Karriere in der Band The Shit, ein Quartett, welches das Publikum bei seinen Auftritten mit provokativen und äußerst anzüglichen Sprüchen anbrüllte. Zur selben Zeit veröffentlichte sie ein erstes Album unter ihrem bürgerlichen Namen. Seit 2000 benutzt sie das Pseudonym Peaches, das einem Lied von Nina Simone entnommen ist.

Ihre Bühnenshows, eine Mischung aus Punk-Konzert und Sexshow, gelten als wegbereitend für die Electroclash-Bewegung. Das erste Album The Teaches of Peaches (2000) erschien bei dem Berliner Label Kitty-Yo.

Peaches

The French Touch duo elicit a summery musical hedonism that flicks like frames through a retro-futuristic musical voyage, cleverly playing with codes and genres.

The Polo & Pan live performances brings their music to life with a sparkling vibrancy. It’s a sight to behold. One look around the dancefloor — whether it’s sold-out US tours or major festival performances, from the Hollywood Bowl to Sonar Festival or Circoloco in Ibiza — and you’ll see smiles, pretenses dropped, and earnest joy on the faces around you. That, more than their cultural heritage, global appeal, or history of underground hits, might be Polo & Pan’s most remarkable quality.  

Polo & Pan

Nachdem die in Eritrea geborene und in Amsterdam aufgewachsene RIMON 2018 mit ihrem Debüt „Grace" ordentlich Wellen schlug, hat sie sich schnell als eine der vielversprechendsten Newcomerinnen etabliert. RIMON, die in Amsterdam aufgewachsen ist, zählt eindeutig zu den vielversprechendsten RnB-Stimmen aktuell. Sowohl in ihren ersten Singles als auch auf ihrer Debüt-EP vertritt sie eine Botschaft der Selbstermächtigung, sowohl für sich selbst als auch für Frauen weltweit.

Nachdem sie im Alter von 17 Jahren die Schule abgebrochen hatte, um zu reisen und mit dem Komponisten Samuel Kareem Musik zu machen, begann sie zusammen mit dem Kollektiv ALLE$, ihre Musik zu veröffentlichen. RIMON machte sich schnell einen Namen im Ausland - sie sammelte Millionen von Streams, trat in ganz Europa und Asien auf und wurde von i-D, BBC, Pitchfork, Vogue und Complex mit Lob überschüttet. Allein ihre erste COLORS-Session kontte mittlerweile fast 7 Millionen Aufrufe sammeln.

Nach der Veröffentlichung ihrer zweiten EP „I shine, U shine“ im Jahr 2020, mit herausragenden Tracks wie „Got My Back“ featuring Denzel Curry, nutzte RIMON die restliche Zeit der Pandemie, um sich auf ihr neues Werk zu konzentrieren. Das Ergebnis ist „Digital Tears", das erste Projekt, das nicht aus Emotionen oder Erfahrungen herausgeschrieben wurde, sondern sich stattdessen auf eines der größten gesellschaftlichen Dilemmata unserer Generation fokussiert. „Digital Tears" ist ein konzeptionelles Projekt, das die übermäßige Abhängigkeit der modernen Gesellschaft von der Technologie thematisiert.

Rimon

Kelis ist eine amerikanische Sängerin, Songwriterin und Köchin, die der Meinung ist, dass alles besser ist, wenn man es in Soße taucht. Sie hat sechs Studioalben veröffentlicht und eine
Ausbildung als Saucier am weltberühmten Le Cordon Bleu absolviert.

Kelis wurde bereits bei den Brit Awards, den Q Awards, den NME Awards und den Grammy Awards ausgezeichnet. Ihr musikalisches Schaffen, sowohl als Lead- als auch als Feature-Künstlerin, umfasst verschiedene Genres - sie hat mit R&B- und Hip-Hop-Acts wie Busta
Rhymes und Clipse, Elektronik- und Dance-Produzent*innen wie Calvin Harris, Timo Maas und Richard X, Pop- und Rock-Acts wie Enrique Iglesias und No Doubt sowie Indie- und Alternative-Musiker*innen wie Björk und Dave Sitek zusammengearbeitet. Weltweit hat Kelis sechs Millionen Platten verkauft.

Ihr erstes Kochbuch „My Life on a Plate“ beschreibt sie als „eine Erkundung von Geschmäckern und Kulturen und meiner Erfahrungen als Köchin, Musikerin, Mutter und Ehefrau". Sie ist
auch die Schöpferin einer Linie von „Bounty and Full“, einer Linie von Saucen, die mit Liebe und Integrität hergestellt werden. 

Seit Januar 2020 lebt Kelis auf einem Bauernhof außerhalb von Los Angeles, den sie zusammen mit ihrem Mann bewirtschaftet, wenn sie nicht gerade um die ganzen Welt tourt.

Kelis

Der amerikanische Jazzpianist, Komponist und Produzent Robert Glasper gilt als absoluter Ausnahmekünstler, der durch sein politisches Engagement weit über die Grenzen der Musikwelt hinaus Gehör findet.

Herzblut, Leidenschaft, Seele, ein künstlerisches Repertoire, das seinesgleichen sucht und mitunter eine der wichtigsten Stimme für zeitgenössische Afrokultur – die Rede ist von keinem Geringerem als Robert Glasper.  

Die Grammy-Bilanz der Musiksensation lässt keine Fragen offen: Elf Kategorien, zwölf Nominierungen und fünf Awards. Ein Emmy findet sich ebenso an seiner immer weiterwachsenden an Preisen und Awards. Doch damit ist noch längst nicht alles gesagt, denn das künstlerische Werk von Robert Glasper berührt alle Bereiche der Musikwelt. Liveshows, Filmkompositionen sowie Produktionen mit und für andere Künstler. Scheinbar egal, was der gebürtige Texaner ist von Erfolg gekürt. Seine Black Radio Alben haben die Grenzen des R&B gesprengt und neu definiert. Seine Zusammenarbeit mit Größen wie beispielsweise George Clinton, Stevie Wonder, Erykah Badu, Kaytranada, Georgia Anne Muldrow, Hiatus Kaiyote, Mac Miller, Flying Lotus sorgt regelmäßig für Furore innerhalb der Musikpresse. Neben seinen prämierten Musikproduktionen, mitreißenden Liveshows und seiner vielfach gefeierten Filmmusik nutzt er als Gigant der Jazzszene und Afrokultur seine Stimme lauthals dafür, um sich für die Gleichberechtigung und Chancengleichhand von Afrominderheiten stark zu machen.  

Wie ein roter Faden ist sein gesamtes Künstlerisches Werk von einer Konstanten durchzogen: Evolution. Die Verweigerung vor Stillstand. Ein konstantes Bestreben nach Veränderung, Umdenken, kreativem Wachstum. Die Ablehnung von Genregrenzen kann als zentrale Eigenschaft im atemberaubenden Repertoire von Robert Glasper verstanden werden. So erklingt seine Musik als vielschichtige, komplexe, aber dennoch unfassbar nahbare und zugängliche Besonderheit, die irgendwo zwischen Jazz, R&B, Soul und Hip-Hop umherschwebt. Diese Diversität wird untermauert von einer unmissverständlichen Hoffnung für eine offene, farbenfrohe Gesellschaft, deren Schönheit in Diversität begründet wird.  

Robert Glasper

Dieses Jahr veröffentlichte Róisín Murphy ihr neues Studioalbum „Hit Parade“. Ihr neues Werk ist in Zusammenarbeit mit dem elektronischen Musik DJ Koze produziert und enthält 13 Tracks. Inhaltlich geht es dabei um Liebe und Sinnlichkeit, aber auch um die Musik selbst und darum, dass sie für Róisín schon immer da war. Die Songs sollen das „im Moment Leben“ verdeutlichen und teilweise mit ihrer Leichtigkeit zum glücklich sein anstecken. Allgemein gesprochen Róisíns wohl euphorischstes Album, gespickt mit Dancefloor Hits und reichlich Club Nostalgie.