Im Alter von nur 15 Jahren veröffentlichte Conan Gray seine ersten Demos auf YouTube, und hat sich seitdem zu einem der herausragenden Pop-Superstars seiner Generation etabliert. Auch nach dem kommerziellen Erfolg des weltweiten erfolgreichen Multi-Platin-Hits „Heather“ und „Maniac“ behält seine Musik ihre unerschütterliche Authentizität und Originalität. Conans Debütalbum „Kid Krow“, das von Gray und seinem langjährigen Produzenten Dan Nigro kreiert wurde, erreichte Platz 5 der Billboard 200 Charts und Platz 1 der Billboard Pop Albums. Im Sommer 2020, als "Heather" weltweit die Charts anführte, lobte Sir Elton John Gray öffentlich dafür, dass er als einziger Künstler in den Spotify-Top 50 war, der seinen Song komplett selbst geschrieben hat. Mit über 4 Milliarden Streams und Support von Vogue, V Man, Cosmopolitan, Paper, The Fader, Billboard, Forbes, MTV, ID, Wonderland, Clash, Notion, Seventeen hat Conan Gray als Top-Künstler unserer Zeit etabliert. 

Pop/ Indie

Conan Gray

Man muss eigentlich nur 30 Sekunden eines Songs von Juniore hören, um zu erkennen, dass die 2013 in Paris gegründete Band sich ganz den Klangwelten der Sechziger, mit einer deutlichen Hommage an die französische Musiktradition, verschrieben hat. Trotzdem wirken die Songs des Trios modern und zeitgenössisch. Vor allem da das Trio gekonnt sechziger Jahre Vibes mit angesagten Indie-Pop Sounds mischt. Im Mittelpunkt steht dabei Anna-Jean, Gründerin, Frontfrau, Gitarristin, Keyboarderin und Tochter einer Literatur Nobelpreisträgerin. Begleitet wird Jean von Schlagzeugerin und Sängerin Swanny Elzingre. 

Der  einzigartige Sounddes Trios funktioniert übrigens nicht nur auf der heimischen Musikanlage, sondern genauso gut als Filmmusik auf großen Leinwänden. Es macht also durchaus Sinn, dass die Band früher oder später in mehr Film- und TV-Soundtracks auftaucht, einschließlich des allseits gepriesenen Dramas Killing Eve.

Juniore

Sometimes music is about number sequences. When Modeselektor [Gernot Bronsert + Sebastian Szary] and Apparat [Sascha Ring] decide to become one, it is a trio band called Moderat who is brought into their tuneful world. Good things always come in threes and the result of this brilliant addition is unambiguous: hardly anybody has brought electronic music from Berlin to the farthest flung corners of the world with more passion and enthusiasm than these two heavyweights. 

In 2002, Sascha, Gernot and Sebastian met for the first time. At that time, Apparat and Modeselektor were well established in the Berlin music scene. Sascha had already released his debut album and Gernot and Sebastian a series of 12’’s. Collaborating together wasn’t even debatable, the question was: When will they join forces? 

Moderat laid their foundation in 2003 with the EP Auf Kosten der Gesundheit and then needed six years to put together the album Moderat. Perhaps the secret of this collaboration lies in the fact that they never even tried to get close to one another. Modeselektor’s thundering bass rumbles in the cellar, Apparat’s sensitive and subtle melodies float high in the eaves. The fact that what one assumes to be incompatible actually communicates, is what makes Moderat so unique. Thus, when a band is successful, usually after a first album you would expect a second. Mathematics is all based on logic and it was not the time for surprises for Moderat. This one came out in August 2013 on Monkeytown Records and is soberly called II. 

Time passes and the group remained on the same path. Concerts follow album releases, new singles precede new albums and the fans have become accustomed to this frenetic pace of events and closely follow what Sascha, Szary and Gernot offer from their subdivided work. Moderat are three family members that managed to create together what they don't do individually. Modeselektor is holding the frame and brings the colors, Apparat is painting the story that the group wants to tell. In 2016, the release of their album III follows. In 2017, Moderat announced that they’d be taking an extended break following a final concert in their hometown of Berlin in front of 17.000 people. 

And in 2022 they return with a new album and a new live show. MORE D4TA, the group’s fourth album, arrives more than six years after its predecessor, yet its contents are quintessentially Moderat. Created largely during a time when touring (and most traveling) was off the table, MORE D4TA is an album that wrestles with feelings of isolation and information overload — issues that have become particularly pronounced recently. The album is rooted in collaboration, but long before any of its tracks were laid down, Moderat spent months hanging out and getting musically reacquainted, indulging in extended bouts of experimentation and slowly fleshing out ideas as they dove into modular composition, field recordings and other sonic oddities. They’re not a conceptual outfit, and never have been: After spending the better part of two decades making music together, they’ve carved out a sound and aesthetic that are all their own, and MORE D4TA showcases a group that’s creatively recharged and fully dedicated to its craft.

Electronic

Moderat

Wer schon mal in einem Raum voller Menschen stand, die in einem harmonischen und leicht betrunkenen Einklang „I hope your husband dies“ schrien, war vermutlich auf einer Show von Amigo the Devil. Danny Kiranos, besser bekannt unter seinem Künstlernamen Amigo The Devil, hat es mit seinen morbiden und trotzdem romantischen Texten geschafft, Country, Folk und extreme Metal Fans gleichermaßen herauszufordern. Durch seine Songs hat er sich in den USA bereits eine große Fanbase erspielt. Obwohl er nur mit seiner Stimme und einer Akustik Gitarre bewaffnet ist, übertreffen seine Live-Shows jegliche Erwartungen an eine klassische Folk-Show. Mit einer großen Portion Humor macht er seinen Fans normalerweise düstere Themen leicht zugänglich: Massenmörder, Pyromanen, Selbstmörder oder Lügner und seine eigenen Weltuntergangsfantasien – alle Fans singen mit.

2021 veröffentlichte Amigo the Devil sein aktuelles Album „Born Against“. Wie bei seinen Projekten zuvor überzeugt Amigo the Devil seine Fans wieder mit morbiden, nicht ganz ernstzunehmenden Texten und bewegenden Melodien

Rock/ Alternative

Amigo The Devil

Nach ihrem Debütalbum „Standing at the Edge of the World“ aus dem Jahr 2017 und der Nachfolgesingle „Echoes" verließen Death Bells ihre Heimatstadt Sydney und zogen in die Vereinigten Staaten. Ausgedehnte Tourneen führten zur Gründung einer ambitionierten sechsköpfigen Band, die sich schließlich zu einer Zusammenarbeit zwischen den Gründungsmitgliedern Will Canning und Remy Veselis zusammenfand. Mit Canning und Veselis als Motor begannen Death Bells, mehrere Underground-Stammmusiker zu engagieren, um ihre Live-Shows zu vervollständigen. Ihre Veröffentlichung „New Signs Of Life" aus dem Jahr 2020 auf Dais Records ist das perfekte Ergebnis aus dieser Zusammenarbeit. Mitten in der Pandemie veröffentlichten die australische Gruppe ihre aktuelle EP „Live From Bombay“. Die EP entstand aus dem Drang heraus, die neuen Songs von „New Signs Of Life" in irgendeiner Weise live zu performen. Die Band machte sich kurzerhand auf den Weg in eine Wüste in der Nähe der verlassenen Stadt Bombay Beach, um dort ein fünf Song umfassendes Live-Set aufzunehmen. Das Ergebnis ist ein Set, das von präzisen und weichen, teils synthiehaften Melodien und treibenden Rhythmen geprägt ist.

Death Bells

Diamante weiß, was es heißt, wirklich zu scheinen. Mit schillernden saphirblauen Haaren, einer atemberaubenden Stimme, ausgefallenen Klamotten und einer ermächtigenden Botschaft bringt die in Boston aufgewachsene und in Los Angeles ansässige mexikanisch-italienisch-amerikanische Künstlerin ein neues (und blaues) Feuer in Rock und Alternative Szene.

Nach ausgedehnten Tourneen mit Bands wie Breaking Benjamin, Three Days Grace und Shinedown… strahlt Diamante heller als je zuvor. 2019 tat sich Diamante als unabhängige Künstlerin mit Howard Benson und Neil Sanderson zusammen, um ihr zweites Album American Dream aufzunehmen. Diamante nutzte ihre neu gewonnene, kreative Freiheit und Unabhängigkeit, indem sie während jeder Facette des Albumprozesses ihr eigener CEO war. Bei der Zusammenarbeit mit Benson und Sanderson lobt Diamante, dass sie maßgeblich dazu beigetragen haben, „meine Geschichten zum Leben zu erwecken und mich dazu zu bringen, meine Verletzlichkeiten anzunehmen“.

Diamante

Üppig gezuckert sind in Österreich nicht nur Mehlspeisen. Auch Menschen und deren Sprachetriefen  bittersüß  aus  dem  Schmelztiegel  glorreich  vergangener  Tage.  Eliten  feiern  fröhliche Urständ.  Den  Moment  zu  leben,  heißt  für  einen  Kahlenberger  gepflegt  auf  das  morgen  zu defäkieren.  Ob  nun  subtile  Reichenkritik  oder  genußvolles  Eintauchen  in  die  Leichtigkeit  des Seins der Upper-Class. Auch das zweite Kahlenberg Album wird diese Frage nicht erschöpfend beantworten.  Zu  vielschichtig  bricht  das  Licht  der  einzelnen  Zeilen.  Der  Wiener  Zucker  ganz offensichtlich aus purem Kristall.

Kahlenberg

„Es gibt in Köln Dutzende Bands, die Mundart spielen und davon leben können, das glaubt einem ja anderswo keiner, wenn man das erzählt“, wundert sich Sänger und Songwriter Bastian Campmann, der Kasalla 2011 zusammen mit Ex-Peilomat-Gitarrist Florian Peil ins Leben rief. Und fürwahr: eine derart lebendige, aktive und wirtschaftlich erfolgreiche Mundart-Szene im Grenzbereich zu Rock und Pop ist in anderen bundesdeutschen Ballungsräumen kaum vorstellbar. Ein Phänomen, das ohne Karneval allerdings auch nicht möglich wäre. Campmann und Peil fiel die Entscheidung, nach jahrelangen Erfahrungen im Bereich Rock bzw. Punkrock eine Band mit stark lokalem, inhaltlichen Bezug zu gründen, nicht weiter schwer: Bastians Vater war sein Leben lang eine feste Größe in der Musikszene der Domstadt, Florian schrieb bereits u.a. Songs für die kölschen Legenden Bläck Fööss.

Kasalla

Lange vor den geschichtsträchtigen Tattoos, den allgegenwärtigen Fernsehsendungen, den meistverkauften Büchern und dem einflussreichen Schönheitsimperium setzte sich Kat Von D fast zwei Stunden am Tag ans Klavier und spielte. Eine klassische Ausbildung und eine tiefe Wertschätzung für Musik aller Genres prägten ihr Leben. Diese Leidenschaft hat sie in ihr lang erwartetes Debütalbum „Love Made Me Do It“ [KVD/Kartel Music Group] einfließen lassen. Diese elf Songs sind eine Mischung aus sich wandelnden analogen Synthesizern, Post-Punk-Traumlandschaften, Gothic-Farbtönen und schüchternem Pop-Magnetismus.

„Love Made Me Do It“ ist das Herzstück von Kats Universum. Im Laufe ihrer unglaublichen Karriere hat sie von ihrem eigenen High Voltage Tattoo in Hollywood aus die beliebte TLC-Serie LA Ink moderiert. Als Tätowiererin stellte sie den Guinness-Weltrekord für die meisten Tattoos auf, die eine einzelne Person in 24 Stunden gestochen hat. Sie ist Autorin von zwei New York Times-Bestsellern. Als langjährige Verfechterin von Tierrechten hat sie sich mit Oscar-Preisträger Joaquin Phoenix, Rooney Mara und Sia zusammengetan, um als Sprecherin des preisgekrönten Dokumentarfilms Dominion von Chris Delforce mitzuwirken. Die Musik ist jedoch nach wie vor ihre stärkste Leidenschaft, wie „Love Made Me Do It“ beweist.

"Bei allem, was ich je geschaffen habe, hoffe ich immer, dass das Publikum das Endprodukt genießt", sagt sie. "Die Musik sollte für sich selbst sprechen. Ich habe Jahre damit verbracht, Songtexte, Albumcover, Bandlogos und Songtitel auf Menschen zu tätowieren. Ich hoffe, diese Musik überträgt sich auf die Zuhörer auf die gleiche Weise."

Kat von D

Wer auf handgemachte Folk-Musik mit verträumten Rhythmen steht, ist bei KAWALA genau richtig. Wir stellen euch die fünfköpfige Band aus London vor:

KAWALA, die sich um das Kern-Duo aus Sänger Jim Higson und Gitarrist/Sänger Daniel McCarthy gruppieren, sind keine typische Band. Als sich der Sound der beiden Frontmänner entwickelte, beschlossen sie, einige Freunde zum jammen einzuladen und ihr Klangspektrum zu erweitern. Schließlich kamen Ben Batten am Schlagzeug, Dan Lee an der Gitarre und Reeve Coulson am Bass hinzu. Angetrieben werden sie von Daniels einzigartigem Akustikgitarrenspiel, das Grenzen überschreitet und Elemente aus verschiedenen Genres vereint. Die doppelten Vocals des Paares beflügeln den üppigen instrumentalen Sound der Musikgruppe und lassen eine ganz eigene Harmoniestruktur entstehen. 

Der einzigartige Sound konnte in ihrer Heimat bereits viele Musikfans überzeugen: Als Support Acts für Künstler wie The Vaccines oder Bombay Bycicle Club wurden sie einem breiten Publikum bekannt. Auch im Radio liefen sie in der BBC Radio 1 Hot Rotation der berühmten DJs Annie Mac und Jack Saunders in Dauerschleife. Der Durchbruch gelang ihnen, als ihr Song “Ticket To Ride” auf dem Soundtrack des Videospiels “FIFA 21” gefeatured wurde. Die fünf Jungs konnten sich mit ihrer unglaublich positiven Energie bereits für höhere Aufgaben empfehlen.

Diese ist auch auf ihrer aktuellen Single “Pure Desire / Loosen Up” zu hören: ""Pure Desire" handelt im Wesentlichen davon, seine Ziele und einen besseren Ort zum Leben zu erreichen. Wir haben versucht, diesen Hunger und diesen Antrieb in dem konstanten, schwungvollen Tempo des Liedes darzustellen. Alternativ dazu soll “Loosen Up” den ruhigen Ort darstellen, den wir als unser Endziel sehen", erklärt Daniel die Motivation der zwei Songs. Egal welches Ziel in Sichtweite ist, mit dem Sound von KAWALA wird der Weg dorthin ein leichter.

KAWALA

LETTUCE kombinieren Funk mit Einflüssen aus Hip-Hop, Rock, Psychedelia, Jazz, Soul und Go-Go. Die für den GRAMMY® Award nominierte Band, bestehend aus Adam Deitch [Schlagzeug, Percussion, Arrangement], Adam „Shmeeans“ Smirnoff [Gitarre], Erick „Jesus“ Coomes [Bass], Ryan Zoidis [Alt, Bariton, Tenorsaxophon, Korg X -911], Eric „Benny“ Bloom [Trompete, Hörner] und Nigel Hall [Gesang, Hammond B-3, Rhodes, Clavinette, Keyboards], sind dafür bekannt Regeln zu brechen und Grenzen zu überschreiten.

Bis heute umfasst ihre Diskographie Outta Here [2002], Rage! [2008], Fly [2012], Crush [2015], die EP Mt. Crushmore [2016], das Live-Album Witches Stew [2017] und Elevate [2019]. Letzteres hob LETTUCE auf eine neue Ebene. Es erhielt es eine Nominierung für den GRAMMY® Award 2020 in der Kategorie „Bestes zeitgenössisches Instrumentalalbum“ und belegte Platz 1 der Billboard Contemporary Jazz Albums Charts und landete in den iTunes Top R&B Albums Charts. Ganz zu schweigen davon, dass es innerhalb von sechs Monaten 3 Millionen Streams lieferte und gleichzeitig Anerkennung von BrooklynVegan, Billboard, Rolling Stone und NPR erhielt. Im Laufe des Jahres 2019 hat LETTUCE die Energie des Erfolges genutzt und sie ins Studio geleitet. Zusammen mit dem legendären Produzenten und Toningenieur Russ Elevado [D’Angelo, The Roots, Erykah Badu] arbeiteten sie an einem neuen Projekt. Lettuce leitet dieses Kapitel mit der ersten Single „Checker Wrecker“ mit den Go-Go-Musiklegenden aus Washington D.C. Big Tony Fisher von Trouble Funk und Tyrone „Jungle Boogie“ Williams von Rare Essence ein.

Rap/ R&B

Lettuce

Movits! bestehen aus dem Rapper Johan Rensfeldt, dem Produzenten Anders Rensfeldt und dem Saxophonisten Joakim Nilsson. Die Hip-Hop/ Electro Gruppe, die als schwedisches Juwel mit internationalem Publikum bezeichnet wird, hat es geschafft, sich eine Fanbase aufzubauen, die so vielfältig ist wie ihr Repertoire. Über 120 Millionen Streams und zig Tourneen rund um die Welt zeugen von ihrem weltweiten Erfolg.

Nach ihrem Durchbruch 2008 mit dem Album «Äppelknyckarjazz» wurden sie von der amerikanischen Fernsehsendung «The Colbert Report» entdeckt und eingeladen, mitzuspielen. Der Auftritt wurde zur Sensation und führte zu einem Anstieg der Albumverkäufe um 85 000 Prozent. Kurz darauf landeten Movits! auf Platz 1 der US-amerikanischen iTunes-Hip-Hop-Charts und ging auf ihre erste US-Tournee. Drei Jahre später erschien das zweite Album «Ut Ur Min Skalle». Movits! bringen Einflüsse aus Jazz, Soul und Rap zusammen und schaffen damit eine neue Definition von Hip Hop. Im selben Jahr gingen Movits! auf eine weitere Nordamerika-Tournee sowie ihre erste Europatournee und Live-Shows auf Festivals wie dem Peace & Love (Schweden), G! Festival (Färöer Inseln), Gampel Open Air (Schweiz) und Chicago World Music Festival.

2013 veröffentlichten sie ihr drittes Album «Huvudet bland molnen» und zwei Jahre später «Dom försökte begrava oss, dom visste inte att vi var frön. » Mit diesen Veröffentlichungen tourte die Band zwischen 2013 und 2017 nonstop durch Amerika, Asien und Europa.

2018 erschien der erste Teil von Movits!» fünften Album «V:I», gefolgt von «V:II» Anfang 2019 – ein Doppelalbum mit den Singles «Gumbo», «Ohio» sowie der Platin-verkauften Single «Sodavatten».

Seit ihrem Debüt hat Movits! eine musikalische Reise unternommen, vom Jazz-inspirierten Hip-Hop zu einer dynamischeren und organischeren Klanglandschaft.

Movits!

nothing,nowhere. kennt keine Genregrenzen. Sein Sound ist ein einzigartiger Mix aus Emo-Rap, Trap, Indie und HipHop. Im Februar 2022 kommt nothing,nowhere. nach Wien in die Grelle Forelle!

nothing,nowhere. ist das Solo-Projekt des in Vermont lebenden Musikers Joe Mulherin, ein Sänger, Rapper und Songwriter. nothing,nowhere. bewegt sich stilistisch irgendwo zwischen Emo-Rap, Trap, Indie und HipHop. Nachdem er erste Erfolge mit einer Handvoll kleinerer Independent-Veröffentlichungen auf Soundcloud feiern konnte, sorgte er 2017 mit seinem Album „Reaper“ für Aufsehen. Seine Bloodlust EP, eine Zusammenarbeit mit Travis Barker von Blink-182, wurde 2019 veröffentlicht, gefolgt von seinem aktuellen Album Trauma Factory im Jahr 2021.

Der aus Foxborough, Massachusetts, stammende Mulherin begann im Alter von 12 Jahren, Akustikgitarre zu spielen und versuchte sich zunächst an Emo-Versionen populärer Rap-Songs. "Als ich Gitarre spielte, war das alles, was zählte", erinnert er sich. "Ich war nicht nachtragend gegenüber anderen, ich dachte nicht über diese kleine Stadt nach, ich machte mir keine Sorgen."

2015 veröffentlichte Mulherin seinen ersten Song als nothing,nowhere. auf Soundcloud. Als er zwei Jahre später sein Album „Reaper“ veröffentlichte, kollaborierte er bereits mit Größen wie Pete Wentz sowie Dashboard Confessional und wurde von der New York Times gelobt, die sein Album „Reaper“ als „eines der vielversprechendsten Pop-Alben des Jahres“ bezeichnete.

Im Februar 2021 erschien das aktuelle Projekt von nothing,nowhere. „Trauma Factory“.  Über 100 Songs schrieb er über den Zeitraum von zwei Jahren. Gerade einmal 15 Songs schafften es am Ende auf das Album. Der Sound ist wie für nothing,nowhere. typisch keinem Genre zuzuordnen und reich an Variationen. Mulherin weigert sich, sich irgendwelchen Regeln oder Genregrenzen unterzuordnen: "Den Sound sollen andere Leute definieren. Für mich ist er experimentell“.

nothing, nowhere.

Die australischen Psychedelic Porn Crumpets sind eine Mischung aus ausuferndem Psych-Pop, Prog-Rock und schweren Garage-Riffs. Sie sind aus dem Indie-Underground von Perth hervorgegangen und haben sich durch Veröffentlichungen wie „High Visceral, Pt. 1“ (2016) und das folgende Album „And Now for the Whatchamacallit“ (2019) eine treue Fangemeinde geschaffen.

Die 2014 gegründete Band entstand aus den Solobestrebungen von Sänger/Gitarrist Jack McEwan. In einem alten Pferdestall im ländlichen Leederville arbeiteten er und seine Kollegen Luke Parish (Gitarre), Luke Reynolds (Bass) und Danny Caddy (Schlagzeug) in nächtelangen
Jamsessions zusammen und entwickelten dabei die musikalischen Gespräche, die in „High Visceral, Pt. 1“ von 2016 mündeten. Die Fortsetzung, „High Visceral, Pt. 2“, erschien ein Jahr später und verdoppelte die Fusion aus bluesigen Riffs und experimentellem, aber melodischem Gitarrenrock. Mit ihrem durch internationale Tourneen gestiegenem Bekanntheitsgrad verfolgten die Crumpets auf ihrem 2019 erschienenen Album „And Now for the Whatchamacallit“ einen härteren Ansatz, der auch einige ihrer bisher am komplexesten strukturierten Psych-Pop-Songs
enthielt. 

Psychedelic Porn Crumpets

Sports Team werden als eine der lautesten, elektrisierendsten und chaotischsten Bands Großbritanniens beschrieben. Die Band, die durch Mund-zu-Mund-Propaganda bekannt wurde und bereits vor der ersten Veröffentlichung bei chaotischen Gigs im Five Bells und im Moth Club Schlangen um den Block bildete, hat sich mit ihrem mitreißenden Ehrgeiz immer wieder von der Masse abgehoben. Ihr für den Mercury Prize nominiertes Debütalbum „Deep Down Happy“ (erschienen am 19. Juni 2020) wurde allen kühnen Behauptungen gerecht und bestätigte ihren Platz an der Spitze einer Gruppe junger Gitarren-Acts. Mit ihrer Musik dokumentieren sie das moderne Großbritannien in all seiner chaotischen Komplexität und ihr eigenes Leben als junge Talente, die die Charts stürmen wollen. Ihre Songs sind sowohl liebevoll als auch verächtlich. Ein endloses Hin und Her ohne Geben und Nehmen; eine Abfolge von lebendigen Momentaufnahmen des modernen Britanniens und der Torheiten, Marotten und Frustrationen der Jugend. Die Band erinnert an eine liebevolle, aber zerstrittene Familie, die sich in der einen Minute streitet und in der nächsten vor Lachen weint.

Sports Team

Ob sie es nun zugeben würden oder nicht, The Wombats sind so etwas wie Indie-Legenden. Mit ihrem fünften Album „Fix Yourself, Not the World", welches am 7. Januar 2022 erscheint, haben sie ein gutes Gespür dafür, was ihre Fans wollen und wie man sie auf die Tanzfläche lockt.

Nach 15 Jahren und drei Top-5-Alben in Großbritannien ziehen The Wombats (bestehend aus Murph, Dan Haggis und Tord Overland Knudsen) ein größeres Publikum an als je zuvor. Der virale Erfolg von Oliver Nelsons Remix ihres Hits "Greek Tragedy" aus dem Jahr 2015 auf TikTok hat eine ganz neue Generation von Fans begeistert - ein Kunststück, das sie seit ihrem Debüt "A Guide To Love, Loss & Desperation" aus dem Jahr 2007 kontinuierlich wiederholen. Der Remix wurde in über 600.000 Videos verwendet (von denen einige über 100 Millionen Aufrufe haben) und erreichte über 30 Millionen Streams, was das Original auf 120 Millionen Streams brachte und ihm in den USA Gold einbrachte. Der Remix hat ihnen auch geholfen, seit Januar 2,4 Millionen zusätzliche monatliche Hörer auf Spotify zu gewinnen; ein weiterer Beweis für die Fähigkeit der Wombats, allein durch die zeitlose Kraft ihres Songwritings für neue Generationen von Fans relevant zu bleiben.

Die Band hat im vergangenen Jahr hart gearbeitet, um einige der fesselndsten, einfallsreichsten und zukunftsorientiertesten Songs ihrer Karriere zu produzieren. Das kommende Album „Fix Yourself, Not the World" entstand, ohne dass die drei Bandmitglieder jemals im selben Raum waren. Aufgrund zahlreicher Corona-Lockdowns arbeitete das Trio getrennt voneinander an dem neuen Album. Sie besprachen den Tagesplan per Zoom, nahmen dann getrennt auf und schickten die einzelnen Dateien an die Produzenten Jacknife Lee (U2, The Killers), Gabe Simon (Dua Lipa, Lana Del Rey), Paul Meaney (Twenty One Pilots, Nothing But Thieves), Mark Crew (Bastille, Rag'n'Bone Man) und Mike Crossey (The 1975, The War on Drugs, Yungblud), die sie zu den fertigen Tracks abmischten. "Es war der reine Wahnsinn, um ehrlich zu sein", erklärt Frontmann Murph. Das Ergebnis ist ein Album, gespickt mit Indie-Bangern.

The Wombats

Tom McGuire & the Brassholes sind ein Funk-Soul-Kraftpaket aus Glasgow. Durch die Kombination von vielschichtigen Arrangements mit akribischer Songkunst und unantastbarer Live-Performance schafft die Band eine eigene Nische. Nach dem Erfolg ihres Debütalbums 2019 ist die Gruppe bereit, den nächsten Schritt zu wagen!

Gegründet wurde die Band auf den Straßen von Glasgow von Busking. Die Band lebte davon, in Bars zu spielen, bevor sie mit der Debütsingle "Ric Flair" viral gingen. Nur wenige Monate später veröffentlichte die Band ihr Debütalbum und spielte ihre erste ausverkaufte Headline-Show in Glasgow. Seitdem haben sie sich Support-Slots für Craig Charles und Geroge Clinton gesichert, sind zu einem festen Favoriten auf dem Festival-Circuit geworden, headlinen eine Reihe schottischer Festivals und haben ausgiebig in Großbritannien und Europa getourt.

Tom McGuire & The Brassholes

Anfang 2019 gab es einen regelrechten Hype um Working Men's Club. Ihre Debütsingle "Bad Blood" überzeugte mit einer süchtig machenden Hook. Post-Punk/New-Wave-Revival-Vergleiche kamen schnell.  Nachdem sie bei Heavenly unterschrieben hatten und der Hype um sie immer größer wurde, kochten die Spannungen nur fünf Tage vor der wichtigen ersten Londoner Headline-Show der Band über und Wunderkind Syd Minsky-Sargeant stand vor dem Nichts; Gitarristin Giulia Bonometti hatte beschlossen, sich auf ihre blühende Solokarriere zu konzentrieren und Schlagzeuger Jake Bogacki war gegen die neue elektronische Richtung, die Minsky-Sargeant mit Working Men's Club eingeschlagen hatte. Mit einer unerschütterlichen Entschlossenheit im Bauch stellte Minsky-Sargeant schnell eine Besetzung zusammen, die aus ihm selbst, Ogburn sowie Mairead O'Connor (The Moonlandingz) und Rob Graham (Drenge, Baba Naga) bestand - beide hatte er im Sheffielder Studio des Produzenten Ross Orton (The Fall, M.I.A., Arctic Monkeys) kennengelernt -, ersetzte das Live-Schlagzeug durch eine Drum-Maschine und probte das neue Setup im Eiltempo

Um zwei Originalmitglieder leichter und drei neue reicher, nahm Working Men's Club eine neue, harte Form an, ihre Shows wurden immer schweißtreibender, pulsierender und voller, ihre Energie roh, ihr Elan erneuert und ihr Zusammenspiel als Musiker wurde immer intuitiver. Das Ergebnis hört man auf dem 2020 erschienenem gleichnamigen Debütalbum von Working Men’s Club. Im Vergleich zur Debütsingle sind die neuen Songs deutlich elektronischer angelegt. Gitarren treffen hier auf hämmernde Beats und treibende Synthies. Das liegt vor allem an Minsky-Sargeant, der sich für das Debütalbum von Club Musik, der Afrobeat-Plattensammlung seines Stiefvaters, YouTube-Videos von Jeff Mills, der Beats auf einer Roland TR-909 macht, und einer zufälligen Festivalbegegnung mit Soulwax inspirieren hat lassen. Working Men’s Club liegen somit irgendwo zwischen Gitarren-Indie-Rock, Techno und Dance und haben somit einen einzigartig unverwechselbaren Sound.

Working Men's Club

Als die erste Musik von Superorganism im Jahr 2017 erschien, fand die unverblümte Ästhetik der Gruppe - ein Post-Everything-Mischmasch aus psychedelischem Indie-Pop und sprudelnder, funkiger Electronica - schnell Anklang bei Künstlern wie Frank Ocean, Vampire Weekend, Jehnny Beth und Gorillaz und verschaffte ihnen eine Vielzahl von Fans auf der ganzen Welt.

Nun kündigen Superorganism ihre mit Spannung erwartete Rückkehr und ihr neues Album an; es trägt den Titel „World Wide Pop“, soll am 15. Juli veröffentlicht werden und ist die erste neue Musik seit dem selbstbetitelten Debüt von 2018.

Superorganism haben sich verändert und bestehen nun im Kern aus Orono, Harry, Tucan, B und Soul, aber World Wide Pop bringt auch eine Reihe von internationalen Kollaborateuren wie Stephen Malkmus, CHAI, Pi Ja Ma, Dylan Cartlidge sowie den legendären Musiker und Schauspieler Gen Hoshino mit. Mit dreizehn Tracks, die ein Gleichgewicht zwischen Künstlichkeit und Ernsthaftigkeit, zwischen Sci-Fi-Albernheit und existenzieller Intensität herstellen, ist World Wide Pop ein Schaufenster für das neu vertiefte Verständnis von Superorganism für die Interessen und Impulse der anderen, die Art von kreativer Konvergenz, die man erwartet, wenn Online-Freunde anfangen, Zeit miteinander zu verbringen (ihr Debüt wurde fertiggestellt, bevor die gesamte Band jemals zur gleichen Zeit in einem Raum war).

Superorganism

ascendant vierge ist ein französisch-britisches Duo, bestehend aus der Popsängerin Mathilde Fernandez und Paul Seul, DJ und Produzent, der auch als Mitbegründer des Kollektivs Casual Gabberz bekannt ist. Fasziniert von der Astrologie, findet die Gruppe ihre Inspiration ebenso in den Sternen wie im Hardcore-Techno. Nach dem Erfolg ihrer ersten EP und ihrer Single „Influenceur", die mehr als 20 Millionen Streams erreichte, ging die Band auf ihre erste Tournee: vier Shows Paris waren innerhalb weniger Stunden ausverkauft, sie wurden in ganz Europa gebucht (MUTEK, We Love Green, Eurockéennes, Nuits Sonores oder Dour). ascendant vierge sind bereits jetzt Ikonen der Generation.

ascendent vierge

Born in Germany and raised in Canada and England, Alice Merton's absorption of different styles and sounds helped craft the worldly progressive pop leanings on her debut "No Roots," , which came out in 2016.
The last couple of years could fill an entire career: Playing Coachella, 8x Platinum, US-Gold, and the release of her album "MINT+4" in January 2019. All done independent, everything homemade! Alice Merton's follow up album "S.I.D.E.S." will be out on June 17th.

The singles that have previewed the album - including ‘Vertigo’, ‘Same Team’ and ‘Island’ - have seen Alice make a huge leap forward in both her artistic vision and her confidence. The voice and alt-pop addictiveness that first enamoured fans remains at the core of her sound, but it’s adventurously doused with touches of indie, electronica, alt-rock and synth-pop. Ultimately, ‘S.I.D.E.S.’ sees Alice blur the boundaries between ragged rock energy and pop infectiousness. It is also the first album, where Alice has acted as the executive producer throughout the whole album. “There wasn’t one producer this time who made sure everything sounded sonically cohesive, it was a big role to take on, to be in charge of this whole album process, but I enjoyed the challenge and I loved getting to work with so many different talented producers “

Alice Merton

George Ezra meldet sich mit seinem kommenden Album „Gold Rush Kid“ zurück, das am 10. Juni 2022 erscheinen wird und kündigt gleichzeitig seine Tour an, die ihn am 22. Februar 2023 auch nach Wien bringt!

George Ezras unverkennbar warme Stimme und dunkle Tonlage, machen seine Songs zu einzigartigen Werken der aktuellen Folk-Szene. Mit gerade einmal 19 Jahren, landete der Brite seinen ersten, weltweiten Hit mit „Budapest“. Zahlreiche Auszeichnungen, wie der Brit Award und die Goldene Kamera, als auch zahlreiche Gold- und Platin Auszeichnungen folgten darauf. Seine gefühlvollen Tracks zeugen von einer Reife wie der eines langjährigen Musikers. Ezras dunkle Stimme transportiert die Emotionen sanft in die Herzen seiner Fans.

George Ezra

Multitalent Macy Gray ist Künstlerin, Schauspielerin und Aktivistin aus Canton, Ohio. Die musikalischen Werke, die sie im Laufe ihrer Karriere geschaffen hat, sind ein Beweis für ihre exquisite Vision und ihre unnachgiebige Hingabe an ihr Handwerk. Ihre elegante und reife Auffassung von R&B schöpft aus einer jahrzehntelangen Geschichte. Ihre Fähigkeit, dennoch zukunftsorientiert und frisch zu klingen, macht sie zu einer echten Rarität in der Musikwelt. Seit Macy 1999 mit der Veröffentlichung ihres mit dreifachem Platin ausgezeichneten Debütalbums "How Life Is" die Musikszene eroberte, hat sie sich zu einem Kraftpaket des R&B und Soul entwickelt, eine treue, weltweite Fangemeinde um sich geschart und insgesamt mehr als 25 Millionen Alben weltweit verkauft. Sie wurde fünfmal für den Grammy Award nominiert und gewann im Jahr 2000 den Preis für die beste Pop-Gesangsdarbietung für ihren Kult-Song "I Try" und erhielt zwei BRIT Awards.

Macys neuestes Album "The Reset" wird im Laufe des Jahres veröffentlicht. Das Album thematisiert die aktuellen Geschehnisse in der Welt. Als Tochter eines Mathematiklehrers und einer Stahlfabrikarbeiterin wuchs Gray in einem Haus neben der örtlichen Farm auf - ein Ort, der ihr immer noch sehr am Herzen liegt und wo sie die Ermutigung erhielt, der Star zu werden, der sie heute ist.

Macy Gray + The California Jet Club

Bestehend aus Sängerin Katie Ball, den Gitarristen David Noonan (auch Backing Vocals) und Mete Kalyon, Bassist Rob Clarke und Schlagzeuger Shane Maguire, haben sich Just Mustard seit ihrer Gründung im Jahr 2016 stetig einen Ruf als eine der aufregendsten neuen Bands Irlands erarbeitet - live und auf Platte. Die berauschende Mischung aus Noise, Trip-Hop und elektronisch beeinflusster Musik der Band aus Dundalk, Irland brachte ihrem Debütalbum „Wednesday“ 2018 große Anerkennung in ihrer Heimat ein - einschließlich einer Choice Music Prize-Nominierung für das Album des Jahres.

Mit „Heart Under“ liefern Just Mustard ihr zweites und gleichzeitig erstes Album auf Partisan Records, dem Label von Idles, Fontaines DC und Cigarettes After Sex. „Heart Under“ ist ein Album, das sich nicht in ein Genre oder eine Ära einordnen lässt, ein Gitarrenalbum mit Gitarren, die nicht wie Gitarren klingen, ein Album, das den traditionellen Rahmen sprengt, um einen aufregenden, einzigartigen Sound zu erzeugen, und ein Album, wie man es sonst nur selten zu hören bekommt.

Die ersten Aufnahmen für „Heart Under“ fanden in den Attica Studios im ländlichen Donegal statt. Die zusätzlichen Aufnahmen und die Nachbearbeitung erfolgten dann zu Hause, und diese zusätzliche Zeit, die sie sich selbst gaben, führte zu einer noch reichhaltigeren und komplexer komponierten Platte. Katies Gesang wurde ebenfalls zu Hause aufgenommen, mit mehr Zeit und Raum, der es ihr ermöglichte, eine emotionalere und ehrlichere Performance zu liefern. Für den Mix arbeitete die Band mit David Wrench zusammen, der unteranderem schon mit Frank Ocean, Let's Eat Grandma, Jamie xx und FKA twigs gearbeitet hat. "Wir wollten jemanden, der schon Pop- und elektronische Platten gemacht hat und nicht nur in der Rockmusik arbeitet", sagt Katie. Dar Ergebnis ist ein einzigartiges Album mit unterschiedlichsten Einflüssen aus den Bereichen Rock, Noise, Elektro, Techno und Trip-Hop.

Just Mustard

DMV-Rapper und Plattenproduzent Oddisee erkannte früh, dass Zweck und Erfolg selbsternannt sind. Als Sohn eines sudanesischen Vaters und einer afroamerikanischen Mutter als Amir Elkhalifa in Washington, DC, geboren und in Prince George’s County, MD, aufgewachsen, wurde er schon früh Zeuge starker Ungerechtigkeit und wurde so politisch wie die Stadt, in der er aufgewachsen war.

Oddisee & Good Compny

Der Name Princess Chelsea entstand vor knapp 15 Jahren aus einer liebevollen Neckerei heraus. Ihre damaligen Bandkollegen von Teen Wolf "waren sarkastisch, denn wenn wir auf Tournee waren, sah ich oft sehr zerzaust aus, und sie machten Witze darüber, dass ich eine Prinzessin sei." Chelsea nahm den Prinzessinnentitel an und benannte sich schließlich um. 

Ihre musikalische Laufbahn beginnt klassisch mit Klavier- und Klarinetten-Unterricht. Schon bald entdeckt sie aber ihre Begeisterung für Gitarre und Schlagzeug und schreibt noch zu High-School-Zeiten ihren ersten eigenen Song "Monkey EatsBananas".

Nun macht Princess Chelsea als Solo Künstlerin Karriere und bringt ihren Synth-Pop Sound auf die Bühnen der Welt.

Princess Chelsea

Ohne Label oder Management landete Hoodie Allens 2012 veröffentlichtes Album „All American“ in den Top 10 der Top 200 Billboard Charts und darunter zwei Platin-Singles mit über 250.000 verkauften Einheiten. Sein Mainstream-Erfolg löste 2014 anschließend die Zusammenarbeit „All About It“ mit Ed Sheeran aus, die von MTV, Buzzfeed, Billboard und anderen Medien aufgegriffen wurde. 

Auch in Deutschland ist der Amerikaner, der schon mit Starswie Macklemore auf einer Bühne stand, längst kein Unbekannter mehr. Spätestens nach seinem Album „People Keep Talking“ (2014) feierte er auch internationalen seinenDurchbruch. Seine Musik lässt sich dabei aber nicht nur auf ein Genre beschränken. Vielmehr zeichnet ihn eine bunte Mischung aus Rap, Pop, Hip Hop und Akustik aus. 

Hoodie Allen

Maximilian Krach hat alles, was sich ein im Internet sozialisierter junger Mann imzweiten Jahrzehnt des 21. Jahrhundert wünschen kann: Teure Uhren, eine amtliche Anzahl Follower, eine so einfache wie geniale Geschäftsidee und einen unerschütterlichen Glauben an die eigene Einzigartigkeit. Da ihm daran gelegen ist, seine Erkenntnisse und Einsichten zu teilen, nimmt er sich alle paar Wochen die Zeit, um einem vollbesetzten Seminarraum in mittleren und kleinen deutschen Großstädten seine Ideen zuteil werden zu lassen. Es geht um Wölfe und Schafe,um berühmte Einzelgänger und um den Schlüssel zum Erfolg, der nicht wie so viele glauben irgendwo da draußen liegt, sondern viel, viel näher: im richtigen Mindset. Doch wer deswegen glaubt, der Weg nach ganz oben sei nicht beschwerlich und fordernd, nicht gesäumt von dornigen Chancen und unbelehrbaren Bedenkenträgern, hat natürlich nichts verstanden. Es sind Lektionen, die auch Mirko noch bevorstehen, der sich aufmacht, mit Maximilians Hilfe aus seinem trostlosen Alltag auszubrechen. Und so werden Präsentationen gestrickt und Postings geplant, Sportwagen gemietet und NFTs gemintet, bis eine arglos abgesetzte Pizzabestellung in einer Gütersloher Winternacht Erkenntnisse bereithält, die sich nur sehr schwer in wichtige Learnings übersetzen lassen. Ein Roman über Männer, die keine Zeit und keine Lust haben, an ihrer Durchschnittlichkeit zu verzweifeln, und eine Gesellschaft, die deren Ausflüchte irgendwie bewältigen muss. Als ob es nicht schon genug Probleme gäbe.

Non Music

El Hotzo

Die Entdeckung des Jahres 2022 – diese Auszeichnung geht an MAYBERG. Luis Raue ist MAYBERG, mit 21 im besten Gen Z-Alter und hat die perfekte Schnittmenge zwischen Liedermacherei und coolem Crooner, zwischen modernem Singer-Songwriter und elektronischen Synths und Beats gefunden.

Aufgewachsen in Kassel schwimmt er sich frei nach Leipzig, wo er hier wie dort auf Open Stages vor etwa zwei Jahren anfängt, seine Songs zu performen. Als dem live spielen nach einem halben Jahr die Pandemie einen Strich durch die Rechnung macht, verlegt er sich drauf, in Eigenregie Song um Song rauszubringen und wird derzeit gern mit Faber oder AnnenMayKantereit verglichen. TikTok trägt seine Kunde schnell ins Land und als er wieder darf, verkauft er die Venues seiner allerersten Tour aus.

Ein Wundertwen, ein Popphänomen? Irgendwie ja, aber MAYBERG selbst bleibt bescheiden. Muss er nicht sein: Energetisch tanzbarer Liedermacher-Pop brilliert mit melancholischen, poetischen Lyrics von einem der besten Texter dieses jungen Jahrzehnts, der nur für sich selbst steht.

Mayberg

Schon in jungen Jahren entdeckte Murda seine Liebe zu Hip-Hop. Kurz nach seinem Signing veröffentlichte er 2008 seine erste EP „Turkse Pizza“, welche komplett von Sir OJ produziert wurde. Neben der Musik war Murda auch als Schauspieler tätig und spielte 2010 die Hauptrolle in dem erfolgreichen niederländisch sprachigen Film „Gangsterboys“. 

Nach einer Familienauszeit folgte 2019 schließlich das Album  „BABA“, welches an seine neugeborene Tochter gerichtet ist. Noch im selben Jahr lernte er den türkischen Rapper Ezhel kennen, woraufhin kurz darauf „AYA" entstand, ein Track der später mit über 100 Millionen Streams auf Spotify zu einem der größten Hits in der Türkei wurde. Auch weitere Kooperationen mit deutschen Künstlern wie Summer Cem und Luciano zu dem „OHA Remix“ (2021) oder Mero und ihrer gemeinsamen Single „Konum Gizli“ (2022) landeten internationalen Erfolg.

Aber auch zu seinem Solotitel wie „Eh Baba" (2020) und seinem Album „Doğa" blieben die Nummer-1-Hits nicht aus. Das Album, welches nach seiner Tochter benannt wurde, gehört zu den meistgespielten Alben in der Türkei. Mit über 750 Millionen Streams und 900 Millionen Views auf seine Videos gehört Murda zu den erfolgreichsten türkischen Künstlern weltweit.

Murda

Der international anerkannte französische Independent-Produzent Wax Tailor ist zu einer der wichtigsten Figuren der weltweiten Elektro-Hip-Hop/Trip-Hop-Szene geworden. Mit 6 Studioalben, mehr als 800 Konzerten in 60 Ländern und zahlreichen Auszeichnungen ist Wax Tailor ein Botschafter des französischen Elektro-Sounds. Als Multitalent ist Wax Tailor ein pluralistischer und unabhängiger Künstler, der mit der Crème de la Crème zusammengearbeitet hat: Ghostface Killah, Mick Jenkins, Aloe Blacc, D-Smoke, Tricky, Charlie Winston, Del The Funky Homosapien, Sharon Jones, Lee Fields, R.A The Rugged Man...

Wax Tailor

Von Wegen Lisbeth in ein Raster pressen zu wollen, um sie in eine Ecke der deutschen Musiklandschaft zu stecken, gibt einem ein ähnliches Gefühl wie Bio-Gurken in eine Plastikhülle zu packen und Atomkraftwerke mit einem Nachhaltigkeitssiegel auszustatten. Die Berliner bleiben auch nach etlichen Jahren Bandgeschichte angenehm ungreifbar und haben doch ihren ganz eigenen Stil kreiert. Von Wegen Lisbeth nennen ihre Alben gern mal wie eine E-Mail-Adresse, besingen in ihren Songs Elon Musk und Claudia Pechstein und verarbeiten in ihren Texten vermeintlich alltägliche Beobachtungsfetzen zu einem schärferen Abbild unserer Gesellschaft als einem manchmal lieb ist. Zwischen Melancholie und tanzbaren Pop-Songs sind Von Wegen Lisbeth mittlerweile längst eine feste Größe in der deutschsprachigen Musikszene, bringen auf ihren Konzerten von Berlin bis Annaberg-Buchholz das Publikum zum Tanzen und stellen dabei die wichtigen und unwichtigen Fragen unserer Zeit. Am 23. September 2022 erscheint mit EZ Aquarii das dritte Studioalbum der Band.

Von Wegen Lisbeth

Wenn es um Sad Songs geht, ist KATI K Expertin. Ihre Songs: fast alle traurig. Und auf TikTok gibt die 22-jährige Sängerin ihren über 800.000 Followern ständig Ratschläge – und die besten neuen Lieder, für die verschiedenen Phasen des Liebeskummers. Ihre Spotify Playlist „Liebeskummer 2021“ hat bisher bereits 27.000 Follower. Und auch ihre neue Single „Wehzutun“ wird darin sicher einen Platz bekommen.       Ihren ersten Auftritt hatte KATI K bereits mit 9 Jahren. Auf ihrer Kommunion in der Kirche. Bereits mit vier Jahren bekommt KATI von ihrer Oma und Mutter Klavier-Unterricht. Sie war im Chor. Und sang in der Schule u.a. auf ihrem Abi-Ball. Mit Gesangsvideos auf Instagram erreicht KATI K dann auch plötzlich mehr Menschen, als Familie und Schul-Freunde. Ihre sehr besondere, klare Stimmfarbe emotionalisiert und verschafft ihr auf Instagram bis heute 276.000 Follower. Und auch mit ihren eigenen Songs berührt KATI. Ihr Lied „Wegen dir“ erreichte 2021 schon mehr als 4 Millionen Streams, allein auf Spotify. Und auch bei Rappern ist KATI K beliebt: EDO SAIYA war das Feature auf ihrer Single „Dunkel“, ART rappte mit auf „Malibu Kirsch“ und K-Fly buchte KATI für sein großes Konzert in Köln als Support Act.

Kati K

Im Januar 2023 erstmal auf „Mama, ich bin dann mal auf“-Tour durch Deutschland!

Es reichten nur wenige Sekunden: Beim ersten Upload eines Snippets seiner Single „Paracetamol“ ging sie viral und zählte bereits nach 3 Tagen über 600.000 Views auf TikTok. Gregor Hägele überzeugt seine Zuhörer von Sekunde eins an mit seiner starken, einzigartigen und emotionalen Stimme. Auf sein Talent wurden auch die Musikerkollegen Johannes Oerding und Max Giesinger aufmerksam, die Gregor Hägele dieses Jahr als Supportact bei ihren Sommerterminen begleiten durfte. Im Januar 2023 geht der 21-jährige Stuttgarter nun auf seine erste eigene Tour. Acht Konzerte stehen dabei auf dem Tourneeplan!

Es pocht, es brennt, es tut weh und konzentrieren geht gar nicht mehr. Was hilft bei Schmerzen? Die Antwort darauf sind für Gregor seine Freunde, Familie und Liebe. Denn auch Menschen können wie Schmerztabletten wirken. Sie helfen gegen das Vermissen, Kummer und schlechte Laune. Nur was, wenn die Beziehung zu einem Menschen zur Sucht wird? Genau von dieser Wechselwirkung erzählt Gregor Hägele in seiner Single „Paracetamol“ und keiner besingt ein Medikament so schön wie er. „Du bist wie Pa-Ra-Ce-Ta-Mol für mich“ - eine eingängige Zeile mit Ohrwurm-Garantie. „Als wir den Song geschrieben haben, ist uns die Melodie tagelang nicht mehr aus dem Kopf gegangen“, erzählt Gregor. Und auch seine Fans bekommen nicht genug. Sie fordern, nachdem das Single-Snippet viral gegangen ist: „Bring den Song raus!“.

Schon als Kind singt Gregor und lädt sehr früh erste Gesangsvideos auf YouTube hoch. Er nahm Gesangs-unterricht, doch zunächst immer nur als Hobby. „Ich habe nie geglaubt, dass ich Sänger werde. Das war immer so etwas wie Fußball-Profi. Irgendwie weit weg.“ Richtig Bock, sein Hobby zum Beruf zu machen, hat Gregor erst seit 2017. Er war Kandidat bei „The Voice Of Germany“, schaffte es bis ins Halbfinale und ging nach der Staffel noch mit auf große Tour. Danach war der gebürtige Schwabe Teilnehmer beim Vorentscheid für den deutschen Beitrag des „Eurovision Song Contests“ 2019. Jetzt geht er seinen eigenen Weg. Getreu der Liedzeile „Raus von hier, die Welt ist Wahnsinn!“ aus der Single „Zuckerschock“ geht Gregor Hägele im Januar auf die erste eigene Tournee. Fans dürfen sich schon jetzt auf ein unvergessliches Live-Erlebnis freuen, denn live legt Gregor Hägele die Messlatte extrem hoch. Mit emotionalen Balladen, eingängigen Mitsingparts und mitreißenden Pop-Songs ist der junge Entertainer ein Garant für einen abwechslungsreichen Konzertabend voller Gänsehautmomente.

Gregor Hägele

Alina Pash ist eine ukrainische Sängerin, Songwriterin und Schauspielerin.

Alinas Hitsingle „Bitanga“, die 2018 veröffentlicht wurde, stellte ihre Talente einem breiteren Publikum vor. Ihrem Erfolg folgten zwei Soloalben namens: „Pintea:Gory/Misto“ (2018) und „Rozmova“ (2021) sowie zwei EPs „Amerikraine Dream“ (2019) und „Norov“ (2021) – die alle hohe Anerkennung aus der Community fanden.

Pash beeindruckte die Öffentlichkeit weiterhin mit ihren exzentrischen Musikvideos wie „Bitanga“, „Oinargori“, „Bosorkanya“, „N.U.M“ und vielen mehr. Ihre kreativen Aktivitäten zeigen eine große Vielfalt an Stil und Charakter und offenbaren ihre inneren Ansichten zu populären Musikgenres.

In ihrer Musik kollidieren Elemente von R’n’B und Hip-Hop mit Facetten karpatischer Ethnien.

Alina hat enge Kollaborationen mit mehreren ukrainischen und ausländischen Künstlern wie „Apache“, „d'OP“, „Krechet“, „Pianoboy“, „Alyona Alyona“ usw.

Alina Pash

Während ihrer Zeit als Band haben die englischen Rocker mit Hochglanz-Pop, Anarcho-Punk, düsterem Garage-Rock, Elektro-Funk und Country experimentiert und dabei inhaltlich Themen wie Selbstfindung, Nihilismus, Klimawandel, psychische Gesundheit, Sucht, Postmoderne und Cybersex behandelt. Was soll eine Band also tun, wenn sie scheinbar alles erlebt hat?  

Nach 20 gemeinsamen Jahren haben The 1975 beschlossen, dass es an der Zeit ist, zu ihrer Form zurückzukehren - um ihre Anfänge zu feiern und ihre Entwicklung zu zeigen. Das Ergebnis ist ihr fünftes Album „Being Funny in a Foreign Language“ - vielleicht das bisher intimste Album der Band.   

Während die letzten Platten von The 1975 vor massiver Produktion, Programmierung und Synthesizern nur so strotzten, ist „Being Funny“ in der Performance verwurzelt und Infolgedessen eine Abkehr vom Maximalismus ihrer letzten Platte „Notes on a Conditional Form“. 

Das Album wurde in den Real World Studios in England und in den berühmten Electric Lady Studios in New York aufgenommen und beschreibt das erste Mal, dass The 1975 in einem Raum saßen und als Band spielten. Dabei stellten sie dieses Mal einige Grundregeln auf: Sie wollten, dass alles so organisch wie möglich klingt, und entschieden sich für mehr Streicher und weniger Synthesizer.  

Aber die Band hat nicht alles verändert. Wie die letzten vier Alben beginnt auch „Being Funny“ mit dem vertrauten, aber stets differenzierten Intro von The 1975. Flankiert von zwei glitzernden Klavieren, die außerhalb des Taktes spielen, dient der umgestaltete Opener als Bewusstseinsstrom, der in einen spannungsgeladenen, wunderschönen Drone mündet.   

The 1975

Die in Schweden geborene und in Los Angeles lebende Sängerin, Songwriterin und Künstlerin, Tove Lo, verkörpert in ihrer Musik jede Seite ihrer eigenen Weiblichkeit und kann in einem Atemzug kraftvoll und im nächsten lustvoll sein. 2014 schlug sie mit ihrem Platin ausgezeichneten Debütalbum „Queen of the Clouds" weltweit Wellen. Mit Fünffach-Platin ausgezeichnete Singles wie „Habits (Stay High)" und der mit Doppel-Platin ausgezeichnete Hit „Talking Body" verschaffte ihr zudem den großen Durchbruch. Zu ihren zahlreichen Kollaborationen gehören Nick Jonas für den Platin-Song „Close" und Flume für den mit Gold ausgezeichneten Song „Say It" sowie Hymnen mit Alesso, Coldplay, Martin Garrix, Charli XCX, Sean Paul, ALOK und Major Lazer, um nur einige zu nennen. 

Inmitten ausverkaufter Shows auf mehreren Kontinenten veröffentlichte sie ihre Alben „Lady Wood“ (2016) und „Blue Lips (Lady Wood Phase II)“ (2017), bevor sie 2019 mit „Sunshine Kitty“ auf den Jahresendlisten von Esquire und Idolator landete. Mit „Glad He's Gone" erhielt sie ihre zweite GRAMMY®Award-Nominierung in der Kategorie „Bestes Musikvideo". Auch als Songwriterin schrieb sie bereits Texte für Lorde, Zara Larsson und auch Ellie Gouldings Fünffach-Platin-Song „Love Me Like You Do" von Fifty Shades of Grey. Ein Song, der bei den Golden Globe®Awards und den GRAMMY®Awards nominiert wurde. 

Tove Lo

Paolo Nutini kommt im Juni nach Wien. Ein Rückblick auf alles, was Paolo bisher erreicht hat, unterstreicht seinen Status als eine der größten Erfolgsgeschichten der britischen Musik. Zwei seiner drei bisherigen Alben, „Sunny Side Up" und „Caustic Love", erreichten Platz 1 der UK-Albumcharts, während er weltweit 8 Millionen Alben, 8 Millionen UK-Singles und 1,5 Milliarden globale Streams verkaufte. Der Ivor-Novello-Gewinner und mehrfache BRIT-Award-Nominierte hat allein im Vereinigten Königreich bemerkenswerte 18 Platinauszeichnungen erhalten. Paolo war bereits Headliner bei Festivals wie Glastonbury's Other Stage und Benicàssim sowie bei großen Arenashows in Londons O2 und Glasgows OVO Hydro.

„Last Night In The Bittersweet" wurde von Paolo Nutini zusammen mit Dani Castelar und Gavin Fitzjohn produziert. Geschrieben wurde es von Paolo, mit einigen ausgewählten Beiträgen von Mitgliedern seiner Band. 

Paolo Nutini

The Bronx wurde 2002 gegründet und veröffentlichte im folgenden Jahr ihr selbstbetiteltes Debütalbum. In ihrer 19-jährigen Karriere hat die Band aus Los Angeles sechs Alben als The Bronx und drei Alben unter ihrem Alter Ego Mariachi El Bronx veröffentlicht. Beide Versionen der legendären Band aus Kalifornien wurden für ihre „entfesselten Schreie jugendlicher Arbeiter" (Los Angeles Times) und ihre „knallharten und eingängigen Hardrock-Songs" (Loudwire) gelobt. The Bronx besteht aus Matt Caughthran (Gesang), Joby J. Ford (Gitarre), Ken Horne (Gitarre), Brad Magers (Bass) und Joey Castillo (Schlagzeug).

The Bronx

Die 2008 gegründete Gruppe besteht aus den ehemaligen Kindheitsfreunden Jonah Nilsson (Gesang, Keyboards) und Henrik Linder (Bassgitarre) sowie Aaron Mellergårdh (Schlagzeug), den Nilsson und Linder als Teenager kennenlernten. Nachdem sie ihr Musikstudium abgeschlossen hatten, arbeiteten
alle drei Mitglieder von Dirty Loops als Studiomusiker. Erst im Jahr 2008 beschlossen sie, Dirty Loops zu gründen, um ihren eigenen, genreübergreifenden Popmusikstil zu verwirklichen. Zunächst nahmen sie mehrere Coversongs auf und veröffentlichten sie, wodurch sie die Aufmerksamkeit des Musikproduzenten Andreas Carlsson erregten. Carlsson half der Band, sich ein Publikum aufzubauen und unterschrieb schließlich einen Plattenvertrag mit dem Produzenten David Foster und Verve. 2014 veröffentlichten Dirty Loops ihr Debütalbum „Loopified“,
das die Single „Hit Me" enthält. 2021 folgte schließlich ihr aktuelles
Album „Turbo“ zusammen mit dem amerikanischen Gitarristen und Songwriter Cory
Wong und nach der Pandemie endlich auch weitere Liveshows wie in Wien.

Dirty Loops

GlenGang 030 – das sind Joey99, JulioMC, Jonzon104, Kilian437 und ODG.

Dass die fünf gebürtigen Berliner 2023 erst ihr zweites Album „Ost Side Story“ released haben, ist kaum vorstellbar, da sie ihre Fans mindestens seit 2018 stetig mit immer innovativeren Releases versorgen. 

Ihre kommerziell erfolgreichsten Singles sammeln zusammengefasst Streams im zweifachen Millionenbereich und die Liveshows der Prenzlauer Berger Rapper sind inzwischen für ihre mitreißende Energie berüchtigt. 

In ihren Texten thematisieren sie das Aufwachsen in der Großstadt, ihren Umgang mit Konsum und die einhergehende Perspektivlosigkeit, die uns bitterschwer aus der Seele sprechen. 

Neben ihren gemeinschaftlichen Projekten erscheinen immer wieder innovative Features, wie zuletzt „Grinsen in Berlin“ mit MC WINDHUND und Teuterekordz, sowie Soloprojekte einzelner Mitglieder. Die Solo-EP von Joey99 hebt die Wandlungsfähigkeit der GlenGang030 erneut hervor, bevor wir uns im Frühjahr 2025 auf das neue Album der gesamten Gruppe und die zugehörige „Lost Auf Tour“-Tournee freuen können. 

GlenGang 030

Wir alle machen Fehler. Wir alle bedauern sie. Wir alle blicken zurück auf die Lieben und Verluste, die das Leben mit sich bringt, und beklagen uns darüber, wie die Dinge hätten anders laufen können. In diesen zutiefst persönlichen Momenten der Reflexion können unsere Emotionen verrückt spielen, wenn wir über unsere Entscheidungen nachdenken und uns mit dem auseinandersetzen, was als nächstes kommt. Einsicht ist eine mächtige und komplexe Sache und ein Phänomen, dessen Feinheiten auf „The Greatest Mistake Of My Life“, dem zweiten Album von Holding Absence aus Cardiff, auf fesselnde Weise erforscht werden.

Aufbauend auf dem ausgezeichneten Fundament des gleichnamigen Debüts der Band, das 2019 veröffentlicht wurde, und nach den eigenständigen Singles „Gravity" und „Birdcage" ist das Quartett mit einer Reihe von Songs zurückgekehrt, die nach Ansicht von Sänger Lucas Woodland die bisher wahrhaftigste Darstellung von Holding Absence sind.

„Auf diesem Album geht es darum, Geschichten zu erzählen, die durch die Linse des Rückblicks, des Bedauerns und der Rückschau präsentiert werden", sagt er. „Es gibt Songs, die das Leben im Angesicht des Todes feiern, und andere, die von den Entscheidungen handeln, die wir in unserem Leben treffen. Die Angst vor der Liebe, der neu entdeckte Respekt vor dem Leben und das Vertuschen von Depressionen sind alles Themen, die auftauchen. „The Greatest Mistake Of My Life“ übt Emotionen in vielerlei Hinsicht aus, und das war uns wichtig, denn Emotionen sind nicht starr - es geht nicht nur um Liebe oder Freude oder Traurigkeit - es geht um viele Dinge.

Inspiriert von einem gleichnamigen Song, der in den 1930er Jahren von der Schauspielerin und Sängerin Dame Gracie Fields aufgenommen wurde, ist „The Greatest Mistake Of My Life“ in einer Zeit verwurzelt, lange bevor es Holding Absence überhaupt gab. 

Holding Absence

Die „echte" Isabella ist eine Synthese ihrer Kindheitserlebnisse, die Tonspur ihrer Erinnerungen. In ihrer Heimatstadt Tegucigalpa, Honduras, nahm sie die Musik von Reggaeton-Künstler*innen wie Wisin y Yandel und Plan B in sich auf. Nachdem sie als Teenagerin in die USA und später nach Kanada gezogen war, entdeckte sie die amerikanische Rap-Musik von Künstler*innen wie Soulja Boy, Lil Wayne's Young Money und Rap-Mutationen von MIA, Kreayshawn und Lil B. Isabellas Musik lebt von diesen musikalischen Einflüssen, aber auch von der Originalität und Experimentierfreudigkeit, die sie gemeinsam haben.

Isabella Lovestory

Matt Wards Amerikana-Folk ist tief in den Traditionen der amerikanischen Musik verwurzelt. Er hat sich aus Gospel, Doo-Wop, Country und auch klassischem Beatles-Pop einen besonderen Stil geschnitzt. Unverwechselbar, warm und auch etwas mystisch. Seine Musik ist von Melancholie und betörendem Folk bereist. Optimistische Musik für trübe Tage.

M. Ward

Die Musik von Cigarettes After Sex ruft nicht nur die starken Gefühle der Euphorie hervor, die dem Bandnamen selbst innewohnt, sondern auch die Gefühle und Emotionen, die in den
romantischsten Filmen zu finden sind - schmerzhaft nostalgisch, durch und durch mitreißend und intensiv visuell. Es sind diese einzigartigen Qualitäten, die es den Liebesliedern von Cigarettes After Sex in zahllosen Ländern nachhallen und die treueste Fangemeinde begeistern.

Der Katalog der Band hat bis heute über 2,5 Millionen Tonträger verkauft, 3 Milliarden Spotify-Streams, über 17 Millionen monatliche Hörer*innen und mehr als 800 Millionen YouTube-Streams. Die Liste der Fans der Band umfasst alles von Taylor Swift, Kylie Jenner, David
Lynch, Lana Del Rey, Françoise Hardy, Lily Allen, Busy Philipps und viele mehr. Vertreten bei Vice Noisey, V Magazine, Interview, NPR's Tiny Desk berichteten auch The Handmaid's Tale, Killing Eve und Ralph Lauren über sie.

Cigarettes After Sex 

Mit Paul Weller kommt diesen Herbst eine weitere der großen Legenden britischer Popmusik und einer der wichtigsten Songschreiber der letzten Jahrzehnte ins Volkstheater. Mit seiner ersten Band, The Jam, definierte der „Modfather“ Punkrock wie New Wave neu, bevor er mit The Style Council Soul und Motown-Klänge mit einem an den englischen Bergarbeiterstreiks geschulten Klassenbewusstsein verband. Seit den 90ern schreibt er als Solokünstler Musikgeschichte und hat entscheidend die Entwicklung des Britpops vorangetrieben. Seine energiegeladenen Konzerte sind bis heute unvergessliche Live-Ereignisse – nicht zuletzt aufgrund einer unstillbaren Neugier darauf, immer wieder neue musikalische Felder zu erschließen.

Paul Weller

Brass Against ist ein Kollektiv von Künstler*innen, angeführt und kuratiert von Brad Hammonds. Ihr gemeinsames Ziel ist es Protestmusik zu schaffen, die Fans zum Handeln aufruft. 

Das Kollektiv wurde 2017 aufgrund der Annahme gegründet, dass es einen echten Bedarf an politisch aufgeladener Musik braucht. Seitdem ist Brass Against zweimal durch Europa getourt, darunter 12 ausverkaufte Shows bei ihrer ersten Tournee Anfang 2019. Zu den weiteren Auftritten gehörten verschiedene Festivals, darunter Boomtown, Pukkelpop, Download Madrid, sowie ein Auftritte als Support von Lenny Kravitz in der O2 Arena London.

In den vergangenen zwei Jahren haben Brass Against drei Alben veröffentlicht, auf denen sie Songs von Rage Against The Machine, Tool, Audioslave und anderen Bands interpretierten.

Brass Against möchte, dass die Musik, die sie spielen, inspirierend klingt und die Emotionen der Menschen ansprechen. Sie kombinieren Rock und kantigen, kraftvollen Hip-Hop als außergewöhnliche Musik mit politischem Einschlag. 

Brass Against

Im Laufe von sechs Studioalben hat Dallas Green einen Kanon von Liedern zusammengestellt, die aus Verehrung und Hingabe geboren wurden und eine Legion von Fans auf der ganzen Welt um sich scharen und ihm drei JUNOs einbrachten, darunter zwei Auszeichnungen als Songwriter des Jahres, sowie eine Dreifach-Platin-, zwei Doppel-Platin-, eine Platin- und eine Gold-Auszeichnung in seiner Heimat Kanada. 

Neben diesen Erfolgen wurde Green auch für alle vier Alben von Alexisonfire mit Platin ausgezeichnet. City and Colour's letztes Studioalbum "A Pill For Loneliness" - veröffentlicht auf Green's Still Records, einem Imprint von Dine Alone Records - debütierte auf Platz 1 der kanadischen Billboard-Album-Charts, sein vierter Chart-Topper in Folge in Kanada. 

Sein vorheriges #1-Album "If I Should Go Before You" schlug international hohe Wellen und erreichte Platz 16 der U.S. Billboard 200 Charts und Platz 5 in Australien, wo Green's LP Little Hell mit GOLD ausgezeichnet wurde. Im Jahr 2014 arbeitete Green mit dem internationalen Superstar Alecia Moore (alias P!nk) an einem neuen Projekt mit dem Titel "You+Me". 

Das mit Platin ausgezeichnete erste Album des Duos, "Rose Ave.", debütierte auf Platz 4 der U.S. Top 200 Charts, Platz 1 in Kanada, Platz 2 in Australien und gipfelte in denkwürdigen Auftritten in der The Ellen Show und Jimmy Kimmel Live. Green wurde von Alice in Chains persönlich eingeladen, neben Metallica, Korn, Mitgliedern von Soundgarden, Jane's Addiction, Nirvana und anderen legendären Künstlern aufzutreten, als das Quartett aus Seattle 2020 mit dem Founder's Award des Museum of Pop Culture (MoPop) ausgezeichnet wurde. Im Jahr 2022 wurde Green bei den JUNO Awards mit dem SOCAN National Achievement Award für seine philanthropischen Beiträge zur Musikerziehung in Kanada geehrt.

City and Colour

Als Musikerin war sie ein angesehenes Mitglied der kanadischen alternativen Musikszene, bevor sie mit dem Erfolg ihrer Alben „Let It Die“ und „The Reminder“ zu einer internationalen Popsensation wurde. 

In einer damals stark durchproduzierten Musiklandschaft stand Ihr Gesang für Natürlichkeit und Nähe. In ihrem letzten Album „Multitudes" zeigte sich die etablierte Künstlerin musikalisch offener denn je zuvor und erweitert ihr Spektrum. Zum ersten Mal schichtet Feist stellenweise ihre Stimme zu Chören, sie rezitiert - oder schreit sogar. In Kombination mit Streicher, Synthesizer, Schlagzeug, Gitarre, Bass und manchmal sogar ein Saxophonüberrascht das Album mit neuen Interpretationen. 

Durch ihre Offenheit unterscheidet sich die Künstlerin dadurch vom Industrieprodukt und überzeigt mit ihren mutigen und inspirierenden Schritten. 

Feist

Die All-Vocal Entertainer Home Free haben der Country-Musik ihren Stempel aufgedrückt und weltweit fast 600.000 Albenäquivalente gesammelt. Dazu kommen große internationale Tourneen und mit mehr als 630 MILLIONEN Aufrufen und über 1,6 MILLIONEN Abonnenten auf YouTube wurden Home Free zur „beliebtesten A-cappella-Gruppe der Country-Musikfans“ erklärt (Taste of Country).

Home Free

Das aus Berlin stammende Duo TWO LANES verbindet akustische Klavieraufnahmen mit analogen Synthesizern und Minimal-Beat-Elementen zu seinem unverwechselbaren Sound. Das Duo, bestehend aus den in Berlin lebenden Brüdern Leo und Rafa, hat ein treues Publikum in der ganzen Welt gefunden. Auf ihrer neuesten Veröffentlichung - der „Reflections EP“ - erweitern sie die verschiedenen Genres, die von Neoklassik über Ambient bis hin zu melodischem Techno reichen.

Die beiden Brüder wuchsen in einer musikalischen Familie auf und schlugen in ihrer Jugend unterschiedliche musikalische Wege ein. Leo zeigte schon früh Interesse am Klavierspiel und vertiefte sich in die Werke von JS Bach, Schumann und Debussy. Schließlich studierte er an der Juilliard School in New York City, wo er einen Master-Abschluss in historischer Aufführungspraxis erwarb.

Rafael hingegen war schon immer von den Möglichkeiten der elektronischen Musik fasziniert. Er verbrachte endlose Stunden damit, mit Sounddesign und elektronischer Produktion zu experimentieren. Irgendwann erkannten die Brüder, dass sich ihre Talente perfekt ergänzten, und TWO LANES war geboren.

Mit ihrem eindrucksvollen und weitreichenden Sound sind TWO LANES in der Lage, in den kommenden Jahren eine feste Größe in der elektronischen Musik zu sein.

Two Lanes

Einer der einflussreichsten Schöpfer elektronischer Musik in Großbritannien, RivalConsoles, meldet sich mit seinem neuen Album „NowIs“ zurück und schlägt damit ein neues Kapitel in seinem ständigen Streben nach Verfeinerung und Weiterentwicklung auf.

Der in London ansässige Produzent Ryan Lee West, besser bekannt unter dem Namen RivalConsoles, ist bekannt dafür, Synthesizer menschlich und atmosphärisch klingen zu lassen. Im Laufe seiner fünfzehnjährigen, von Kritikern gefeierten Karriere hat sich seine Musik von der herausfordernden Elektronik seiner frühen EPs zu einer immer konzeptionelleren Musik entwickelt. 2022 veröffentlichte RivalConsoles sein letztes Studioalbum „NowIs“ on ErasedTapes,und präsentiert es mit einer brandneuen, einzigartigen Performance in Form einer immersiven audio-visuellen Erfahrung, in der er Material aus dem letzten Jahrzehnt seiner Karriere und darüber hinaus vorstellt. Die Show wird eine lange Erzählung von Ideen sein, von denen viele zum ersten Mal live zu hören sind - von tiefgründigen Ambient-Werken bis hin zu seiner einzigartigen Version von Techno.

Rival Consoles

In den letzten Jahren haben sich The Sherlocks zu einer der aufregendsten Live-Bands in Großbritannien entwickelt. Nun spielen die im November live in Wien. Neben ausverkauften Tourneen in ganz Großbritannien und Europa hat die Band mit drei Top-20-Alben auch Chart-Erfolge erzielt. 

Die Brüder Kiaran und Brandon Crook aus Yorkshire haben sich mit den Bandmitgliedern Alex Proctor und Trent Jackson zusammengetan. Mit einer unglaublich leidenschaftlichen und loyalen Fangemeinde haben ihre Fans den Weg von den Pubs/Clubs bis hin zu ausverkauften Veranstaltungsorten auf der ganzen Welt verfolgt. Außerdem wurden sie gebeten, in Arenen/Stadien mit Leuten wie Liam Gallagher, Kings Of Leon, Kaiser Chief, The Libertines und vielen anderen zu touren. Mit einem neuen Album am Horizont sieht die Zukunft für dieses wahre Rock 'n' Roll-Outfit unglaublich rosig aus.

The Sherlocks

Laura Misch is a South-London born saxophonist, singer-songwriter, electronic producer and field recordist. 

Her current work interweaves her three main voices; saxophone, singing and synthesis, in new music which will be performed and released in 2025. Expanding her electro-acoustic palette and drawing from a lineage of female pioneers in electronic music, Laura has been developing a one-woman show which invites deep listening and contemplation through songs and sonic environments inspired by nature.

Laura Misch

Wenn man sich seine Songs anhört, kann man sich kaum vorstellen, dass es einen Zeitpunkt
im Leben von Chris Breheny alias Moncrieff gab, an dem er sich nicht voll und ganz der Musik verschrieben hatte. Bis er etwa 15 Jahre alt war, ging der aufstrebende Songwriter aus Irland einen anderen Weg. Chris war zwar musikbegeistert, aber wenn man ihm gesagt hätte, dass in ein paar Jahren sogar Elton John und Avicii auf seine Songs abfahren würden, hätte er kein Wort davon geglaubt. Schließlich war Musik dort, wo er herkam, keine Selbstverständlichkeit, sie wurde sogar fast belächelt. „Ich hatte ein bisschen Angst davor, den musikalischen Weg zu verfolgen, denn in dem Teil Irlands, auf dem Land, wo ich aufgewachsen bin, war Musik etwas, worauf man ziemlich herabschaute ... ", sagt Moncrieff, der lange brauchte, um seine ganz eigene Definition von ehrlichem, tiefgründigem Singer/Songwriter-Pop zu finden.

Mittlerweile in London lebend und mit dem Verlust seiner Schwester und seines Bruders versetzte ihm das Leben einen schweren Schlag, der ihn tiefer in ein Loch stieß - und näher an das Songwriting führte. „Zu diesem Zeitpunkt habe ich mich noch mehr von der Schule ferngehalten, bin mit meinen Schulfreunden einer kleinen Band beigetreten und wir haben in den örtlichen Kneipen einfach Coversongs gespielt." 

Der neue Fokus auf die Musik fühlte sich gut an, er tat alles, um mehr über die Kunst des Songwritings zu lernen, und doch war London nicht immer einladend. Glück oder Zufall, Schicksal oder Vorsehung, wie auch immer: Jemand hatte größere Pläne für den angehenden Songwriter und sorgte dafür, dass sogar einige der Größten mitbekamen, woran er arbeitete: „Ein Freund fragte mich, ob ich als Backgroundsänger für Adele in dieser BBC-Show zur Verfügung stehen würde. (...)“. Als anschließend seine erste Single „Symptoms" Anfang 2018 veröffentlicht wurde, wurde eine andere Pop-Ikone - Elton John - sofort aufmerksam und spielte den Song in seiner Show. 

Moncrieff veröffentlichte 2019 seine Debüt-EP „The Early Hurts" und nutzte die letzten Jahre, um sein Handwerk weiter zu verfeinern und einen einzigartigen Sound zu entwickeln, der seiner Meinung nach nicht mit einem bestimmten Genre-Tag versehen werden sollte: „Ich hatte schon immer Probleme mit dem ganzen Konzept von 'einem Sound'", sagt er. "Es hat für mich nie wirklich Sinn gemacht. Dieser ganze Versuch, sich in eine bestimmte Anzahl von charakteristischen Merkmalen einzuordnen ..., ich habe immer ein wenig dagegen rebelliert - und einfach die Musik gemacht, die ich machen wollte. Ehrlichkeit ist schließlich in jedem Genre Ehrlichkeit. Verletzlichkeit ist Verletzlichkeit - in jedem Genre."

Mit seiner neuen EP, „Highway & Hurricanes“ die im Mai 2023 erschien tritt Moncrieff nach einer langen Reifezeit endlich wieder ins Rampenlicht. Es ist der richtige Zeitpunkt, "denn jetzt können meine Songs tatsächlich dem gerecht werden, was ich rüberbringen möchte." 

Moncrieff

Der Name steht für den Tasmanischen Wolf, einer vor 70 Jahren ausgestorbenen Tierart. William Rezé nannte sich entsprechend so, um sein progressives Electronica zu verkörpern. Der Freiheitsdrang ist Teil seiner DNA und hat ihn schon immer angetrieben, nach neuen musikalischen Horizonten zu suchen.

Er hat mehr als 320 Auftritte in Frankreich und in der ganzen Welt absolviert und verschiedene Länder durchquert: Australien und Neukaledonien, von China bis Südkorea, dann in der Türkei und sogar in Mexiko. Er stand auch auf der Bühne legendärer Veranstaltungsorte in London (XOYO), Deutschland (Fusion Festival), Kanada (Osheaga Festival), Dour Festival in Belgien und Montreux Jazz Festival, um nur einige zu nennen. 

Thylacine

Sie sind in jeder Hinsicht kompromisslos: sowohl in ihrem abenteuerlichen Sound als auch in ihren energiegeladenen Live-Auftritten und Überzeugungen. Ihr Wunsch die Genregrenzen zwischen Tanzmusik und Punkkultur aufzubrechen, ist von einer größeren abolitionistischen Weltanschauung geprägt, die sich Zwängen, Kategorien und Konformität widersetzt. Ihre Musik lädt sowohl zum Tanzen als auch zur Aufklärung gegen Ungerechtigkeit auf.

Neue Songs wie „(Herman's) House" erinnern an den Art-Rock von Sparks und The B-52s sowie politisch orientierten Punk. Auf „Midnight Legend" ist die Band hingegen offenkundig poppiger. So sehr die Band auch mit Dissonanzen spielt, Maria Elenas ausdrucksstarke Gitarrenarbeit und Nathan Cassianis groovende Basslinien verweben sich mühelos miteinander und schattieren die Klanglandschaft, die von Alli Logouts souveräner stimmlicher Präsenz ins Leben gerufen wird.

Die Zusammenarbeit steht im Mittelpunkt des kreativen Prozesses der Band. Ihre Songs sind lebende Organismen, offen für Experimente und Interpretationen, aber auch nicht das Eigentum oder die Kreation einer einzelnen Person.

Selbst wenn ihre Musik Grenzen überschreitet und sich an neue Stile und Formen anpasst, ist Special Interest in einem Gefühl für Zeit und Ort verwurzelt und fängt wahrhaftig ein, wie es sich anfühlt, in diesem Moment zu existieren. Ebenso wie jeder einzelne Musiker lebt die Gruppe von den tanzenden Körpern in der Menge und strebt danach, ein wahrhaft lebendiges Kollektiv zu werden, das die Barriere zwischen Interpreten und Zuhörer*innen auflöst. Special Interest und ihr Klangspektrum sind das Ergebnis einer organischen Verbindung nicht nur zwischen vier Künstler*innen, sondern zwischen diesen vier Künstler*innen und der Welt um sie herum. 

Special Interest

Extreme - von der wildesten Leidenschaft bis zum qualvollen Ersticken - kennzeichnen die epischen Strukturen, aus denen Berangers einzigartiger Sound entsteht. In wahnwitzigen Arrangements tauchen Beranger ihre Hörer*innen gleichzeitig in Eisbäder und lassen sie in Flammen aufgehen. So wie auf ihren Platten Düsternis und Ekstase aufeinanderprallen, treffen ihre schweren Klavierarrangements auf ein kraftvolles Schlagzeug und einen Live-Bandsound, der nun auch Gitarre und Bass beinhaltet.

Berangers unaufhaltsame Live-Energie steckt jeden an, von Indie-Kids bis zu reiferen Rockern. Die meisten Zuhörer*innen sind treue Fans, die sie bei unzähligen intimen Busking Gigs auf den Straßen Berlins entdeckt haben. Als Underdog des klassischen Klaviers hat Beranger die Herzen und Köpfe der Menschen durch ihr schieres Talent und die Integrität ihres Sounds gewonnen.

Ihre melodischen Erzählungen bewegen sich zwischen Vanille und Gewalt, oft fesselnd und erschreckend zugleich. Die explosiven Refrains von Beranger, die im Grunde ihres Herzens eine Straßenmusiker-Band sind, schrecken auch vor riskanten Klavierausbrüchen nicht zurück.

Beranger

Fejka war schon immer der Typ, der sich nicht zwischen zwei Dingen entscheiden konnte. Was die Musik angeht, war es die große Spaltung zwischen verträumter und weicher Ambient-Musik und harter, druckvoller Techno-Musik. Die Atmosphäre von Ambient-Musik war für ihn ein Pool der Ruhe und der tiefen Gedanken, etwas, bei dem man einfach nur chillen und über sein Leben nachdenken kann. 